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a l p s

sign_closeup_0The Grand Budapest Hotel / Wes Anderson / USA / 2014

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c a m p

Moonrise KingdomMoonrise Kingdom / Wes Anderson / USA / 2012

Excéntrico, espontáneo, humano y lúdico, el penúltimo largometraje de Anderson, y séptimo en su haber, comparte (y refina) las características de su filmografía previa continuando el ánimo y enfoque de su anterior cinta: el menospreciado pero genial Fantastic Mr. Fox (2009). Lidiando con las constantes temáticas y visuales de su obra Anderson traslada la acción a un campamento infantil en la década de los sesenta, el pretexto del idílico lugar y las pintorescas modas dan para un goce visual y estético. Famoso por el cuidado en la creación de sus personajes y escenarios aquí se da vuelo: asigna tonalidades cromáticas a cada individuo (incluso tipografías), fotografía con filtros de tonos pasteles (dando la apariencia de cuento infantil), los escenarios son un contraste entre naturaleza y abigarradas decoraciones, los vestuarios son dramáticos y extravagantes, las músicas, magistralmente compuestas y orquestadas por Alexandre Desplat, no hacen mas que redondear la ecuación.

moonrise-kingdom-069Un buen día (casi podríamos decir érase que se era…) Sam Shakusky, huérfano puberto de 12 años de edad decide escapar de un campamento boy scout de verano, lo que en principio pareciera una travesura infantil resulta no serlo tanto, ya que la huída involucra a Suzy Bishop, niña problema de familia acomodada, resultando en una búsqueda exhaustiva que implica tanto al alto mando del campamento, como a la policía, los servicios sociales, e incluso a la población entera. La situación rompe así con la tranquilidad pasiva de la localidad y los peculiares lugareños, de paso, van develando las motivaciones, traumas, anhelos y fracasos de sus monótonas vidas. Cual contemporánea reinterpretación del Pierrot le Fou (Jean-Luc Godard, 1965) Anderson privilegia las visuales, las simbologías, la iconografía, los tributos al cine y música de la época, pero a diferencia del francés aquí no importa tanto el comentario sociopolítico o el juicio moral, dando un enfásis a la psicología de los personajes partiendo de la creación de un mundo mágico y maravilloso en que navegan los primeros amores, la honestidad, la inocencia y las relaciones sinceras. 

moonrise-kingdom

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a ñ o c a t o r c e

Tal parece que el modelo se desgastó. El abrumador aquelarre de CGI, superhéroes, secuelas, remakes y reboots que pareciera dominar los gustos y tendencias del público en general ha exprimido y extenuado a la industria, despertado irónicamente un creciente interés por lo diferente. No es de sorprender que los trabajos mas relevantes y premiados del año se hayan realizado en el marco del cine independiente y, como si de una nueva época de oro se tratara, en la televisión. Los ratings, la taquilla y los Óscares dan prueba de ello. Así, los filmes sobresalientes no vinieron de los grandes estudios o millonarias producciones sino de modestos trabajos (en lo económico que no en lo creativo) de gente como González Iñarritu, Linklater, Cronemberg o Anderson. Confieso que no he visto Ida, ni Boyhood, ni Leviathan, ni Mommy, ni Goodbye to Language, y que la lista que comparto a continuación está conformada únicamente por cintas que  vi y aprecié en el transcurso del año. Las diez del dosmilcatorce:

1. Force Majeure / Ruben Östlund / Suecia

La complejidad del matrimonio, sus viscicitudes, intrincados laberintos e insondeables mecanismos han dado pie a innumerables obras cinematográficas con un rango tan amplio que va desde el onírico filme romántico hasta la más devastadora tragedia griega, pasando por géneros tan disímbolos como la comedia, el terror o el drama psicológico. El sueco Ruben Östlund (anteriormente hábil director de documentales de skiing) toma como vehículo narrativo a la comedia negra, con un ojo clínico tan incisivo como mordaz que termina alejándose de las obras de comedia tradicionales y se acerca peligrosamente a los pesimistas terrenos de Ingmar Bergman (Scenes from a Marriage, 1973) o Stanley Kubrick (Eyes Wide Shut, 1999). Tomando como punto de partida al estereotipo de familia burguesa aparentemente perfecta, juega con los arquetipos y preconcepciones al enfrentarlos a una climática situación (que irónicamente resulta anticlimática) que aunque pasajera e inocua, termina por cimbrar la estructura familiar, los roles internos y los sentimientos reales de sus integrantes, trastocando la supuesta felicidad. Un filme que no es de grandes sucesos sino de actitudes, no es de acciones sino de reacciones. Östlund no juzga, observa y nos invita a participar del ineludible absurdo de las relaciones humanas.

Force Majeure

2. Winter Sleep (Kış Uykusu) / Nuri Bilge Ceylan / Turquía 

Ambientada en la provincia de Anatolia (justo como su anterior filme Once Upon a Time in Anatolia, Turquía, 2011) y basada libremente en un cuento de Anton Chekhov (de hecho toma elementos de tres cuentos del dramaturgo ruso), el épico filme de Bilge Ceylan (cronometra 196 minutos efectivos de duración) funge como el culmen visual y narrativo de una importante, ambiciosa y ascendente trayectoria. Deudor del lirismo visual de Antonini, los cuestionamientos metafísicos de Kiarostami y la incisiva mirada de Bergman hacia las relaciones interpersonales (un mise en scène que nos recuerda al Scenes from a Marriage, Suecia,1973) nos entrega un relato de fuertes matices emocionales en los cuales la belleza del paisaje y el confinamiento de los personajes (tanto geográfico como psicológico) desmenuzan un drama doméstico sobre las percepciones (tanto de los demás como de uno mismo), las diferencias socio-económicas (y las tensiones generadas por ellas), y la inhabilidad de comprender y empatizar con los demás seres humanos.

Winter Sleep3. Closed Curtain (Pardé) / Jafar Panahi / Irán

En diciembre de 2010 Panahi fué encontrado culpable de crimenes contra el regimen islámico y sentenciado a 6 años de cárcel más un veto de 20 años para producir, escribir, colaborar, o rodar cualquier tipo de filme, así como dar entrevistas o abandonar el país. Este terrible atentado contra la libertad y la creatividad tal vez silenció de momento la boca del realizador pero potenció su mente. En 2011 ya se las había ingeniado para filmar This Is Not a Film, con una cámara digital y un presupuesto irrisorio (además la sacó del país en una memoria USB dentro de un pastel). Para 2014 estrena su segunda película de forma ilegal, ahora llamada Closed Curtain que extiende su reflexión sobre el cautiverio, la libertad de expresión y la necesidad de la creación artítica ahora con un matiz más oscuro, críptico y simbólico. Un hombre huye con su perro (al parecer en esta distópica realidad es ilegal tener un can, clara alusión a las cerradas reglas islámicas) para esconderse en una idílica casa frente al mar Caspio. Tapa las ventanas y bloquea las entradas creando un aislamiento con el exterior. Un buen día una pareja de extraños (que también huyen) irrumpen en el recinto rompiendo la frágil estabilidad del lugar. Más tarde un nuevo ente aparecerá en la casa: ahora es el mismo Panahi, que creando una metarrealidad y desvaneciendo esa línea entre ficción y documental establece una sentida reflexión sobre el sentir del artista y el clima político de su país.

Closed-Curtain4. Relatos Salvajes / Damián Szifron / Argentina

El tercer filme del argentino Damián Szifron se presenta como un interesante tandem. Un compendio de seis cortometrajes con el común denominador de una cuidada y meticulosa puesta en escena, un inigualable cuadro actoral, un incisivo y malicioso guión (que fluctúa entre el drama y la comedia más negra), y la venganza como raison d’être y elemento que brinda cohesión entre las partes. De forma astuta se las ingenia para construir un corrosivo panorama del cochambre de la sociedad argentina poniendo en evidencia sus más ocultos pecados: un avión en el que todos los pasajeros misteriosamente tienen algo en común, un corrupto e inescrupuloso político, un violento episodio de road rage, un ingeniero envuelto en una cadena de desgracias, un accidente cobardemente encubierto o una boda venida a mal. Szifron otorga la personalidad de un animal salvaje a cada uno de los protagonistas de las historias, y realiza de paso, uno de las más agresivos asaltos a la sociedad y sistema político de su país natal.relatos-salvajes5. The Grand Budapest Hotel / Wes Anderson / USA Ver entrada 103. GrandBudapestHotel6. Under the Skin /  Jonathan Glazer / UK Ver entrada 114. under_the_skin_stills.2750077. The Wind Rises (Kaze Tachinu) / Hayao Miyazaki / Japón

Hablar de Hayao Miyazaki y de estudios Ghibli es hablar de calidad y tradición. Veneradas por propios y extraños sus producciones combinan magistralmente creatividad, talento y fantasía. Referente obligado del cine de animación Miyazaki, como los grandes, prefirió retirarse en la cumbre anunciando hace apenas un par de años (aunque no por primera vez) su inminente jubilación. Curiosamente su último filme no vendría revestido de surrealistas matices, no tendría personajes fantásticos, ni complejos subtextos, de hecho sería prácticamente lo opuesto: un entrañable biopic. La historia de un inventor (situada en la Segunda Guerra Mundial y obviamente no exenta de controversia por el papel de su país natal en este conflicto) y diseñador de aviones llamado Jiro Horikoshi funge como la cereza del pastel de la obra del auteur. Aficionado a la aviación (con una fuerte atracción a ingrávidas situaciones presentes en la mayoría de sus cintas) logra recrear un relato que se respira autobiográfico y se manifiesta alegórico. A la par de los mejores trabajos de Ghibli The Wind Rises es un gozo a los sentidos y a los sentimientos.

Jiro and paper airplane_out8. Snowpiercer / Bong Joon-ho / Corea del Sur

El cine de Corea del Sur ha crecido exponencialmente en calidad y contenido en las últimas dos décadas. Decenas de nuevos talentos con innovadoras (y perfectamente manufacturadas) propuestas han trascendido las barreras geográficas y del idioma para ganar terreno en el ámbito internacional. Bong Joon-ho es la vívida prueba de ello. Tras tres excelentes obras que transitan desde el thriller hasta el horror fantástico, el coreano sucumbe ante la inevitable tentación de la internacionalización. Snowpiercer es su primer trabajo hablado en inglés y con un elenco de luminarias como Chris Evans, Tilda Swinton o John Hurt, sin olvidar a Song Kang-ho, su actor de cabecera. Basado en el comic francés Le Transperceneige, el filme es un electrizante, audaz y ambicioso viaje a una exstencia ficticia que se antoja real, a una metáfora de la destrucción causada por el hombre, y a las implicaciones del voraz sistema capitalista. Una obra tan creativa y extraña que encantó a unos y alienó a otros, en particular al mismísimo (y tiránico) Harvey Weinstein, quien pasó de distribuidor a detractor, y que curiosamente repitió lo sucedido con otro auteur oriental: Wong Kar-wai (The Grandmaster, 2013), con la diferencia que Joon-ho si se salió con la suya y evitó los recortes a su cinta.

b113f47a41a27b198e8231cdb42d42469. Los Insólitos Peces Gato / Claudia Sainte-Luce / México Photo-Los-Insolitos-OK110. Horse Money (Cavalo Dinheiro) / Pedro Costa / Portugal HorseMoney

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a ñ o d o c e

El año que termina podría resumirse en una palabra: polarizado. Desde las salas de cine hasta las votaciones a puerta cerrada de los principales festivales o las críticas en las revistas reinó el caos y la falta de unanimidad, prácticamente no hubo una cinta que ganara el favor de todos. La triunfadora de Cannes recibió rechiflas, lo mismo sucedió en la Mostra (Venecia) y en Sundance. La calidad estuvo presente, sí, tal vez más que en años anteriores, pero también las propuestas arriesgadas, creativas, polémicas o simplemente indescifrables. Aquí la lista de lo que mas disfruté del dosmildoce.

1. The Master / Paul Thomas Anderson / USA

Ambientada meticulosamente en los cincuenta, la ultima obra de P.T. Anderson podría considerarse una continuación temática/épica/histórica/dramática de su anterior (y muy logrado) filme There Will Be Blood. La cinematografía es igual de pulcra y preciosista (filmada en un impactante 70mm) alcanzando momentos magistrales (la escena de la foto en que hace referencia a Antonioni); el soundtrack (también) a cargo de Jonny Greenwood es igual de épico y experimental, y las actuaciones monumentales. Aquí un atormentado veterano de guerra encuentra consuelo en el seno de un culto (¿cienciología?) y su manipulador y paternal lider. El encuentro y posteriores acontecimientos detonarán en el individuo crisis de identidad, credo, principios y valores.

The Master (Paul Thomas Anderson) 2. Pietá / Kim Ki-Duk / Corea del Sur

Ki-Duk ha cimentado su estilo en la mezcla de contrastantes elementos: belleza con violencia, fraternidad con venganza y amor con traición. Su viceral enfoque llega a sus mas crudos limites en Pietá. Una violenta y polémica cinta centrada en dos contrastastes personajes, que hipotéticamente, son madre e hijo, y su edípica relación basada en incómodas dinámicas sexuales e instintivas interacciones. Con un desarrollo bastante oscuro (especialmente en la primera mitad), el filme va desenvolviéndose como un interesante estudio psicológico de los personajes y de la convivencia entre los seres humanos, llegando a ser enternecedor y humano a pesar de su brutalidad. Aquí nos encontramos a un Ki-Duk elegante y refinado pero crudo y arriesgado que no teme hacer cine de género, pero muy a su manera. Igual de controversial fué su León de Oro en el 69 Festival de Venecia que aún sigue causando revuelo.

Pietá (Kim Ki-Duk) 3. Post Tenebras Lux / Carlos Reygadas / México

Alejándose cada vez mas de la narrativa y entendiendo al cine como expresión y experimentación visual, la última obra de Reygadas se inscribe de lleno en el cine de auteur al lado de los trabajos de Andrei Tarkovsky Apichatpong Weerasethakul. Transgrediendo reglas de tiempo y espacio e instalándose en una surreal temporalidad de caracter onírico, la cinta buscar ser experimentada mas no entendida. La espiritualidad y corporeidad heredadas de Robert Bresson siguen presentes pero también un pesimista y fatídico existencialismo en la forma de un animado demonio rojo que pasea por la cinta. Imágenes que parecen interconectadas al azar, un omnipresente filtro que difumina los bordes de los cuadros, una sensación de peligro proveniente de la naturaleza (curiosamente Lars Von Trier en Antichrist y Bruno Dumont en Hors Satan tienen aproximaciones similares) hacen de esta obra un paso adelante en la cinematografía del director y un provechoso manifiesto de las posibilidades del cine.

Post Tenebras Lux (Carlos Reygadas) 4. Tabu / Miguel Gomes / Portugal

Dicen que lo que importa no es la historia sino la manera en que la cuentas, y parece que el portugués lo entiende muy bien. Partiendo de una premisa bastante simple y socorrida (una épica historia de amores imposibles ambientada en un exótico lugar) Gomes, en un contrastado e impecable blanco y negro, da cuenta de un relato sobre un intrépido explorador y sus andanzas en África plena epoca colonial. Aquí las referencias al cine y a la historia son columna vertebral del relato: el nombre del filme y las dos partes en que se estructura son vínculos directos a F.W. Murnau (Tabu, a Story of the South Seas, 1931). Ademaás la cinta transita libremente por los géneros del Hollywood clásico (del épico de aventuras al melodrama, de ahí al slapstick, etc…). Es pertinente señalar que el ánimo es desenfadado (el director manipula o inventa sucesos históricos a su antojo), el tratamiento de situaciones políticas o morales es meramente estético, y la experimentación está a la orden del día.

Tabu (Miguel Gomes) 5. De Rouille et D’os / Jacques Audiard / Francia

Drama de crecimiento personal e historia de amor son dos frases que difícilmente podrían asociarse al trabajo de Jacques Audiard. Uno de los directores franceses más interesantes de hoy en día, cimentó su carrera con violentas propuestas centradas en individuos marginados y conflictuados, atados (y destinados) a una trágica existencia. Así, entre vertiginosos thrillers, dramas carcelarios e historias de venganza pareciera que el francés cede en este filme, pero no del todo. De Rouille et D’os sí es un drama y sí se centra en una relación afectiva (entre un agresivo cadenero de un antro, no muy alejado al atípico protagonista de sus filmes, y una entrenadora de ballenas en un parque acuático), pero no niega jamás las constantes de su obra; tiene su dosis de violencia y tragedia pero también dá lugar a la esperanza: el melodrama abre paso a la liberación, y el realismo de las actuaciones abre paso al gozo.

Rust and Bone (Jacques Audiard) 6. Amour / Michael Haneke / Austria

Aunque de cuidada manufactura e impecable puesta en escena los filmes de Michael Haneke son comunmente criticados por el enfoque del austriaco: distante, frío, cruel. Cual experimentos psicológicos sus personajes son diseccionados, maltratatados, violentados, existiendo siempre una barrera emotiva entre actor y espectador. Para su última obra cambia el ánimo y la aproximación. En Amour pesan las actuaciones, incluso sobre la imagen. Haneke esperó 14 años por Jean-Louis Trintignant y el lapso resultó provechoso. Un matrimonio de ancianos ve truncada su apacible vida con la enfermedad, el deterioro físico da para el crecimiento emocional, y la proximidad de la perdida a la valoración de lo que se tiene. Aquí lo emotivo va de la mano de la inteligencia, y las innumerables cualidades del filme le hicieron acreedora a los máximos honores en Cannes.

Amour (Michael Haneke) 7. Beasts of the Southern Wild / Benh Zeitlin / USA

Ver entrada 65. (Quvenzhzé Wallis) 8. The Dark Knight Rises / Christopher Nolan / USA

Dosmilonce también se caracterizó por las franquicias exitosas. A diferencia de otros años hubo propuestas meritorias de bastante calidad como The Hobbit: An Unexpected Journey (Peter Jackson), Prometheus (Ridley Scott) o Skyfall (Sam Mendes), pero a mi gusto las palmas se las lleva el cierre de la trilogía The Dark Knight (2005–2012). The Dark Knight Rises puede ser el eslabón mas débil de la cadena pero en ningún momento desmerece: su puesta en escena es impactante (filmada en formato IMAX), sus secuencias de acción impecables, las actuaciones cumplidoras, el desarrollo ágil, y la narrativa compleja e intrincada. Potente, épica, majestuosa y brutal, es la mezcla perfecta del cine comercial con oficio artístico. Una de las mejores trilogías en la historia y por mucho la mejor saga de superhéroes. Nolan tiene talento y lo demuestra con creces.

The Dark Knight Rises (Christopher Nolan)

9. Holy Motors / Leos Carax / Francia

Ver entrada 67.

Holy Motors (Leos Carax) 10. Moonrise Kingdom / Wes Anderson / USA

Ver entrada 102.

Moonrise Kingdom - Wes Anderson

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american english #3

La ecuación es sencilla: 50 directores norteamericanos (de nacimiento y trayectoria) por 50 años en la historia de la industria más prolífica de la orbe, divididos entre 5 categorías de 10 directores cada una. Así, de 1962 a 2012, lo más relevante, interesante, propositivo y experimental del cine norteamericano.

3. Synecdoche, New York (los nuevos)

Aquellos que se alimentan de los clásicos y los reinventan e reinterpretan buscando su propia voz, los que a pesar de su juventud marcan tendencias y vislumbran prometedoras carreras; muchos transitan por la experimentación, otros por las propuestas artísticas y otros más por el cine comercial pero siempre inyectando frescura a la voragine de la industria.

3.1 Miranda July

Trayectoria: 3 filmes entre 1999 y 2011, sigue vigente.

Estilo: Creativa y expresiva, la obra de Miranda July se centra en los sentidos. Muy visual y muy auditiva (producto de su formación como artista conceptual y como músico). Su propuesta es personal, original y pretensiosa pero también humana, emocional y vulnerable; lejos de caer en la superficialidad es crítica e incluso filosófica tanto con sus personajes como con las situaciones que describe. Un extraño caso de belleza visual y sustancia emocional. 

Esenciales: Me and You and Everyone We Know (2005), y The Future (2011).

Me and You and Everyone We Know Miranda July  / USA / 2005

3.2 Spike Jonze

Trayectoria: 3 filmes entre 1999 y 2009, sigue vigente.

Estilo: Versátil y arriesgado, un día transgrede los límites de la narrativa convencional de la mano de Charlie Kaufman, y al día siguiente dirige un filme infantil. Gusta de la iluminación natural, la cámara al hombro, la edición vertiginosa y el cambio brusco de ritmo. Sus historias son poco comunes y bizarras (cortesía de sus colaboraciones con Kaufman) pero curiosamente humanas, identificables y entrañables. Sus personajes muestran una fragilidad que los hace reales mientras las situaciones que vemos presentan el opuesto.

Esenciales: Being John Malcovich (1999), Adaptation (2002), y Where the Wild Things Are (2009).

Being John Malcovich Spike Jonze  / USA / 1999

3.3 Paul Thomas Anderson

Trayectoria: 6 filmes entre 1996 y 2012, sigue vigente.

Estilo: Autodidacta, metódico y preciso. El cine de PT Anderson es un catálogo de influencias: Altman, Scorsese, Kubrick y Ophuls por solo nombrar a algunos. La culpa, el destino, la religión, el fanatismo, la locura, el núcleo familiar (desde un punto de vista negativo y disfuncional) y las alienaciones son sus constantes temáticas, mientras en lo visual sus filmes se presentan estilizados, sorprendentes y complejos. Largos planosecuencias, la cámara en eterno movimiento, capas de contenido audiovisual, manejo lúdico de los tiempos y la tensión, y unas músicas memorables.

Esenciales: Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), y There Will be Blood (2007).

There Will Be Blood  Paul Thomas Anderson  / USA / 2007

3.4 Jeff Nichols

Trayectoria: 3 filmes entre 2007 y 2012, sigue vigente.

Estilo: Aunque explore temas como la violencia o el fin de los tiempos, su cine es sereno y equilibrado. Se toma el tiempo para presentar y desdibujar a sus personajes así como para armar sus narrativas; maneja un suspense in crescendo que nos va atrapando y envolviendo. Sus imágenes tienen una belleza extraña y sus historias un dejo enigmático, su cine es elegante y directo, hábilmente controla el tiempo y las emociones.

Esenciales: Shotgun Stories (2007), y Take Shelter (2011).

Take Shelter  / Jeff Nichols  / USA / 2011

3.5 Sofia Coppola

Trayectoria: 4 filmes entre 1999 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Intelectual e introspectivo, estilizado visualmente (su gusto por el arte y la fotografia son evidentes en sus filmes). La música juega un papel importante, ya sea creando el mood de la historia (The Virgin Suicides) o contraponiendo y contrastando épocas y periodos históricos (Marie Antoinette). Las crisis de identidad, la madurez, o la vacuidad de la vida moderna se aparejan con imagenes posmodernas de grandes urbes o con estudiados y meticulosos escenarios de época. La Coppola en el nombre lleva el pecado y su talento hace justicia al prestigiado clan.

Esenciales: The Virgin Suicides (1999), Lost in Translation (2003), y Somewhere (2010).

Lost in Translation  / Sofia Coppola  / USA / 2003

3.6 Noah Baumbach

Trayectoria: 6 filmes entre 1995 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Mezcla eficazmente el drama y la comedia. Sus filmes son objetos de estudio de peculiares personajes, su principal víctima: los pseudo intelectuales neoyorquinos clasemedieros, con los cuales convivió desde niño. A menudo introduce elementos autobiográficos en su narrativa (The Squid and the Whale) o personajes apáticos y aborrecibles, con vidas patéticas y existencias grises. Su cine tiene nexos con el de otros contemporáneos como Anderson, o los Coppola pero es más incisivo en su tratamiento de  personajes y más realista en su puesta es escena.

Esenciales: Kicking and Screaming (1995), The Squid and the Whale (2005), y Margot at the Wedding (2007).

Kicking and Screaming  / Noah Baumbach  / USA / 1995

3.7 Mike Mills

Trayectoria: 3 filmes entre 2005 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Experimental, transita por los terrenos del dramedy (comedia con tintes de drama o vice versa) con soltura y credibilidad, gusta de combinar inquietudes realistas (crisis existenciales, madurez, disfuncionalidad familiar, incapacidad de tener relaciones afectivas exitosas) con situaciones fantásticas (perros que hablan, animaciones que parecen cobrar vida, padecimientos o manías diferentes por decir lo menos). Su propuesta es muy visual, valiéndose de los recursos aprendidos durante su exitosa carrera como director de videoclips y como diseñador gráfico.

Esenciales: Thumbsucker (2005), y Beginners (2010).

Beginners  / Mike Mills  / USA / 2010

3.8 Wes Anderson

Trayectoria: 7 filmes entre 1996 y 2012, sigue vigente.

Estilo: Anderson habita un universo aparte: en él sus personajes visten, hablan, conviven y se comportan de formas extravagantes, y sin embargo parecen reales y reconocibles. Cada personaje tiene incluso un color, un look, un escenario o una tipografía asignada, la música también los acompaña a todos lados. Un irónico y absurdista sentido del humor permea sus filmes, pero esta cualidad nunca disminuye la tragedia o la crudeza de los eventos que se suscitan. Los colores son fuertes y contrastantes (a menudo un tanto caricaturescos), los escenarios bien iluminados (las historias transcurren de día y de preferencia en exteriores) y cada encuadre se podría considerar un ejercicio de composición y diseño gráfico. 

Esenciales: Rushmore (1998), The Royal Tenenbaums (2001), The Darjeeling Limited (2007).

The Royal Tenenbaums  / Wes Anderson  / USA / 2001

3.9 Darren Aronofsky

Trayectoria: 5 filmes entre 1998 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Controversial, sus temas son usualmente violentos, complejos o taboo como el uso de drogas, la locura, las alucinaciones, o la trascendencia de la muerte. En lo visual es muy estilizado y efectista, principalmente en sus primeros filmes, donde utilizaba pantalla dividida, close ups extremos contrastando con tomas muy abiertas, cámaras en movimiento, y una vertiginosa (e incluso mecánica) edición que se le bautizó como hip hop montage. La música, columna vertical de su cine, es compuesta en todos los casos por Clint Mansell que alterna vertiginosa musica electrónica, con post rock y la elegancia de las cuerdas.

Esenciales: Requiem for a Dream (2000), The Fountain (2006), y Black Swan (2010).

Requiem for a Dream  / Darren Aronofsky  / USA / 2000

3.10 Ramin Bahrani

Trayectoria: 4 filmes entre 2005 y 2009, sigue vigente.

Estilo: Favorito de los críticos, Barahi es una creatura sui generis. Mientras los directores de su generación se regodean en temáticas existencialistas y en estéticas postmodernas, su cine es personal y auténtico, alejado de modas. Un híbrido quizá entre el cine del iraní Abbas Kiarostami (curiosamente sus padres son iraníes) y el neorrealismo italiano. Sus historias son realistas, sus actores amateurs, su narrativa orgánica, su puesta en escena raya en lo documental y las situaciones prácticamente improvisadas. 

Esenciales: Chop Shop (2007), Goodbye Solo (2008), y Plastic Bag (2009).

Goodbye Solo  / Ramin Bahrani  / USA / 2008

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a n i m o t i o n

A lo largo de la historia de la cinematografía y de manera paralela al desarrollo de la industria tradicional, se fué gestando un ser lúdico y curioso, que por méritos propios terminaría siendo un ente aparte, dividiría al cine en tres grandes áreas, revolucionaría técnicas y tecnologías (recordemos que el sonido y el color, por ejemplo, fueron explorados ampliamente antes de ser abrazados por la ficción y el documental) y cambiaría la forma de ver cine por siempre y para siempre. La animación ha probado ser una forma de expresión y experimentación visual y sensitiva, capaz de conmover a chicos y grandes y ser tan comercial o tan experimental como el creador lo requiera. 

Así, a continuación mis filmes favoritos de animación:

1. Stop Motion

The Curse of the Were-Rabbit / Nick Park / Inglaterra /  2005

De la mano de la prestigiada casa productora Aardman Animations llega el primer largometraje de la dupla de Wallace & Gromit, un excéntrico inventor y su inteligentísimo perro, que ya habian hecho los deleites del género en un sinfin de premiados cortometrajes. Aqui los ingleses de Aardman demuestran su talento con la plastilina y la arcilla, corroborando que son los actuales maestros de la animación stop motion. Cabe destacar que se convirtió en todo un éxito de crítica y público y fué acreedora al premio de la Academia a mejor filme animado.

Fetiche Mascotte / Wladyslaw Starewicz / Francia / 1933

El ruso Wladyslaw Starewicz fué uno de los pioneros del stop motion y se caracterizó no solamente por sus fluidas y creativas animaciones sino por utilizar insectos y animales en sus obras. Fetiche Mascotte es uno de sus trabajos mas conocidos y se ubica en su etapa francesa. En este filme encontramos a la mascota del título, un perro de juguete, que cobra vida y decide ir al mismísimo infierno para cumplir el deseo de una niña enferma. El resto tiene que ser visto para apreciarse.

Fantastic Mr. Fox / Wes Anderson / USA / 2010

Wes Anderson es uno de los cineastas independientes mas importantes de los últimos años. Sus filmes presentan excéntricos personajes con fuertes conflictos internos, incapacidad de convivencia y aislados de la sociedad. El outsider de Anderson aparece también en este su primer trabajo de animación pero ahora en la figura de un maduro zorro, descontento con su vida, en plena crisis de los cuarentas y en búsqueda de nuevas emociones. Basado en un cuento de Roald Dahl y asesorado por Henry Selick, el Fantastic Mr. Fox es una entretenida fábula que combina distintos tipos de animación, predominantemente el stop motion de figuras de arcilla con pelo real, en una historia de crecimiento personal que lo mismo entretiene a los niños pequeños que plantea inquietudes existenciales en los adultos.

The Nightmare Before Christmas / Henry Selick / USA / 1993

De la mente de Tim Burton (quien escribe, produce y supervisa) y de Henry Selick nos llega una oscura fábula sobre un más oscuro personaje llamado Jack, quien es el rey del pueblo de Halloween. Un buen día decide secuestrar al buenazo de Santa Claus y convertirse en el alma de las festividades navideñas. Con esta original premisa, un diseño de arte que recordaría al mas puro expresionismo alemán, y una serie de expresivos muñecos, la dupla Selick/Burton da vida a una de las mejores peliculas del género y a un clásico de culto para público de todas las edades.

2. Cut Out & Stop Motion

The Adventures of Prince Achmed / Lotte Reiniger / Alemania / 1926

El largometraje animado más antiguo del que se tengan copias existentes y poseedor de una de las más creativas técnicas de animación de las que tengamos memoria lleva el nombre de Die Abenteuer des Prinzen Achmed un lúdico e inolvidable trabajo de la animadora alemana Lotte Reiniger en la que se mezcla el stop motion primitivo con una técnica inventada por la propia Reiniger: cortar siluetas de personajes en cartón y animarlas a manera de sombras o siluetas, superponiéndolas a monocromáticos escenarios creando así un efecto emparentado con el expresionismo alemán tan en boga en esa época y abriendo el espectro a diversos efectos de cámara como la profundidad de campo.

3. Rotoscopia

Waking Life / Richard Linklater / USA / 2001

A Scanner Darkly / Richard Linklater / USA / 2006

Vocero por excelencia de la generación X y cineasta de culto gracias a sus primeros filmes: Slaker, Dazed and Confused y Before Sunrise, Richard Linklater decide en 2001 entrar a terrenos de la animación, pero de una forma poco común. Primero: no abandonaría sus temáticas existencialistas, filosóficas y sociales. Segundo: sus animaciones serían para adolescentes y adultos, alejánsose del cine infantil al que comúnmente se asocian estas producciones. Tercero: utilizaría la técnica de la rotoscopia,  grabando primero a actores con cámaras tradicionales y después trazando y añadiendo efectos computacionales sobre lo grabado previamente. Su primer trabajo en este estilo fué Waking Life, una poética obra, a manera de manifiesto de la generación X, que habla sobre existencialismo, filosofía y sueños. Para la segunda A Scanner Darkly, adapta una obra del reconocido Philip K. Dick, instalándose en el género del thriller sci-fi y dando cuenta de una futurista historia sobre la manipulación gubernamental, la paranoia de la sociedad, el uso y abuso de las drogas y el espionaje a manera de ubicuo big brother sobre los habitantes de las grandes urbes.

4. CGI

Ratatouille / Brad Bird / USA / 2007

Pixar se ha convertido en una palabra conocida por todos y un referente obligado de la animación por computadora (CGI). Sus diversas películas han ido in crescendo, siendo cada vez más maduras, emblemáticas, sorprendentes y divertidas. No podríamos hablar de su trayectoria sin nombrar joyas de la animación como el tríptico Toy Story, Monsters, Inc. o Finding Nemo, pero a mi gusto las que se llevan las palmas son Wall-e, Up y Ratatouille, siendo mi favorita esta última. Dirigida por el experimentado Brad Bird, quién ya había transitado exitosamente por los terrenos de la animación, el filme se presenta como una delicia visual y sensitiva, un tributo a los placeres sibaritas y a los gustos adquiridos, pero también al talento, la creatividad y la fraternidad, simplemente una obra maestra.

5. Animación Tradicional Norteamericana

The Iron Giant / Brad Bird / USA / 1999

Primer largometraje de Brad Bird, quien ya tenía experiencia en series animadas de televisión y videoclips, y producida por la Warnes Bros., The Iron Giant es una filme animado de aventuras y ciencia ficción que narra las aventuras de un chico solitario que encuentra a un gigantesco robot venido del espacio y sus esfuerzos por librarlo de las garras del ejercito norteamericano el cual quiere destruirlo, todo esto ambientado durante lo más álgido de la guerra fría en la década de los cincuenta. Además de poseer una historia de por sí atractiva, las decisiones estilísticas de Bird fueron lo que la convertiría en un clásico inmediato: animación 2D por computadora en formato CinemaScope, combinado con técnicas de animacion tradicional y el apoyo de un grupo de jóvenes estudiantes de la CalArts. El resultado: uno de los grandes filmes de culto del cine animado de todos los tiempos.

Pinocchio / Walt Disney Studios / USA / 1940

Fantasia / Walt Disney Studios / USA / 1940

Después del rotundo éxito de Snow White and the Seven Dwarfs, y la experiencia de una década produciendo más de setenta episodios llamados Silly Symphonies, The Walt Disney Company funda los Walt Disney Studios y entra de lleno a la producción de largometrajes. La elección para el tema de un segundo filme de los estudios sería obvia: adaptar algún popular cuento infantil dando el toque visual y musical que ya  se estaba convirtiendo en un sello de la compañía. El escogido sería Pinocchio basado en el tradicional cuento italiano de Carlo Collodi sobre un muñeco de madera que sueña con convertirse en un niño de verdad. El filme al momento de su estreno no fue el éxito que se esperaba, siendo un tanto oscuro, con personajes siniestros y presentando la maduración del personaje principal como accidentada y dolorosa. Un reestreno años después le daria la razón y el éxito merecido, siendo una de las mas queridas y galardonadas películas de la compañía. Ese mismo año producirían un capricho del mismo Disney llamado Fantasia. Un complejo filme animado estructurado en ocho segmentos animados, entramados por la musicalización de una orquesta tocando en vivo y en live action. Así reconocidas piezas clásicas de Bach, Tchaikovsky, Stravinsky o Beethoven cobran vida al sincronizarse perfectamente con diversas imagenes animadas y se presentan por primera vez en la historia en sonido estereofónico. Una vez más Disney se adelanta a su época, y lo que en su tiempo fuera el primer gran fracaso de los estudios con el tiempo se convertiría en una obra maestra.

5. Animación Tradicional Asiática

Spirited Away / Hayao Miyazaki / Japón / 2001

Con casi media década de experiencia trabajando en animación, no se puede hablar de animación japonesa sin hablar de Hayao Miyazaki. Cofundador de los afamados Studio Ghibli en 1985 y creador de emblemáticos en influenciales filmes como My Neighbor Totoro, Princess Mononoke o Howl’s Moving Castle, Miyazaki ha forjado un estilo único y característico basado en la animación tradicional, con toques de imagenes generadas por computadora para dar en sus propias palabras “un toque de elegancia”, utilizando ágiles personajes con movimientos humanizados, escenarios coloridos, personajes oníricos, temáticas humanistas, progresistas, ecologistas, feministas y que peculiarmente carecen de un villano antagónico. En Spirited Away, tal vez su trabajo más redondo, nos presenta la historia de Chihiro una niña de diez años que se trasporta a una realidad alterna para buscar retirar el embrujo que ha convertido a sus padres en cerdos. Miyazaki nos lleva de la mano a un mundo maravilloso para experimentar el paso a la madurez de Chihiro. No por nada es la película más exitosa en la historia de Japón.

Akira / Katsuhiro Otomo / Japón / 1988

Dirigida por el japonés Katsuhiro Otomo y basada en un manga también de su autoría, Akira es un filme animado de ciencia ficción, de estilo y temática cyberpunk, que rompió los cánones del género y revitalizó los mangas animados. Su peculiar estilo gráfico presenta detallados escenarios, sincronización perfecta del sonido y los diálogos con los personajes, movimientos superfluídos (el filme se compone de más de 160,000 cuadros) y escenas gráficas e hiperviolentas. En cuanto a temática expone temas filosóficos y psicológicos como la corrupción, la ambición y el difícil paso de la niñez a la edad adulta, temas económicos, critica al holocausto nuclear, revoluciones sociales y el rol de la juventud en la sociedad.

Grave of the Fireflies / Isao Takahata / Japón / 1988

Ambientada a finales de la segunda guerra mundial, y partiendo de una novela semi-autobiográfica de  Akiyuki Nosaka, Grave of the Fireflies fué el segundo largometraje de los estudios Ghibli y el primero en no estar bajo la batuta de Miyazaki. El filme se aleja del estilo tan característico de la marca, no contando con personajes fantasiosos o situaciones oníricas y narrando un hecho, tan trágico como real, de una forma que le debe más al neorrealismo italiano que al manga japonés. Aquí se narra la historia de dos hermanos, huérfanos gracias a la guerra, que deciden valerse por si mismos, aislándose de los horrores y tratando de vivir en un mundo de fantasía, pero aquí no hay lugar para los finales felices, los milagros o las sonrisas. La película es trágica, demoledora y desesperanzadora pero humana, entrañable, tierna e inolvidable al mismo tiempo. 

6. Animación Tradicional Europea

La Planète Sauvage / René Laloux / Francia / 1973

Inquietante, violento y surrealista, dirigido por René Laloux y con dibujos y diseño de arte de Roland Topor, La Planète Sauvage se presenta como un filme poco convencional. A pesar de su bajo presupuesto y de las ya muy comentadas dificultades que encontró para su finalizacion y comercialización, se ha convertido en un referente obligado del cine de animación de los setenta y del cine de ciencia ficción de todos los tiempos. En esta historia todo tiene cabida: la ciencia y la superstición, la violencia y la paz o la esclavitud y la libertad. Como si se tratara de una bizarra pesadilla Laloux explora conflictos políticos y sociales muy propios de su época, y su peculiar estilo gráfico y narrativo le valdrían el Grand Prix del Festival de Cannes en 1973.

Allegro non Troppo / Bruno Bozzetto / Italia / 1976

En 1976, el animador italiano Bruno Bozzetto, famoso por sus trabajos satíricos, políticos y sexosos decide realizar un largometraje estructurado por episodios independientes, sincronizados con conocidas piezas clásicas de fondo,  e intercalados por escenas de la orquesta tocando e improvisando en live action y blanco y negro. En papel suena como un remake de Fantasia (Walt Disney Studios, 1940) pero en la práctica es una creatura diferente. El mismo Bozzetto declaró que el haber visto el clásico filme de Disney lo conmovio hasta las lágrimas, por lo que la influencia e inspiración son más que obvias. En este caso los alcances son más modestos al igual que la producción (y el presupuesto): Seis episodios animados que van de la comedia erótica a la tragedia de alturas griegas al son de Vivaldi, Debussy, Dvořák, Stravinsky, Sibelius y Ravel.

Les Triplettes de Belleville / Sylvain Chomet / Francia / 2003

L’Illusionniste / Sylvain Chomet / Francia / 2010

Con una destacada trayectoria como dibujante y editor de comics, Chomet decide entrar al mundo de la animación a finales de los noventa con un creativo y entretenido corto La Vieille Dame et les pigeons que prefiguraba su peculiar estilo visual y narrativo. Sería hasta 2003 con su primer largometraje Les Triplettes de Belleville, cuando el mundo conocería su obra y los premios empezaran a llegar en carretonadas. El porqué es simple, un sofisticado estilo gráfico, reminiscencia del art nouveau de principios del siglo XX, mezclado con el glamour de los veintes y tintes del humor de comediantes clásicos franceses con Jacques Tati. Una musicalización de atmósferas jazzeras, muy al estilo de la época, redondeaba la historia, mezclando en lo técnico a la animación tradicional con toques digitales y una paleta de colores muy característicos. No hay que menospreciar la historia: una peculiar anciana decide emprender la aventura de rescatar a su nieto, un campeón del tour de france, de manos de una bola de mafiosos con la ayuda de las cantantes del título y un obeso can. Para su siguiente largo, Chomet retoma un guión inédito de Tati y le dá vida propia, consolidando su estilo y de pasada rindiendo tributo a uno de sus ídolos.

7. Live Action & Stop Motion

Jason and the Argonauts / Don Chaffey / UK / 1963

Lo que en un principio sería una película más de clase B con temática mitológica se convertiría, en las manos adecuadas, en un clásico del género y tal vez en la mejor obra de fantasía que mezcle live action con stop motion de la historia (después de la celebre King Kong). La clave aquí tiene nombre y apellido: Ray Harryhausen. El experimentado animador ya había creado importantes obras como Mighty Joe Young  o The 7th Voyage of Sinbad, pero lo mejor estaba aún por llegar. Citada como gran influencia por destacados cineastas de la talla de Terry Gilliam o Tim Burton, Jason and the Argonauts narra las épicas aventuras del héroe y al embarcación del título en su búsqueda por el célebre vellocino de oro para así poder derrocar al tirano Pelías. Creaturas como Talos, las arpías o la Hidra de Siete Cabezas son difíles de olvidar por su realismo y excelente manufactura, pero los esqueletos animados son los que se llevan las palmas.

Institute Benjamenta / Brothers Quay / Alemania & UK / 1996

También conocida como This Dream People Call Human Life y editada en 1996, la ópera prima de los Brothers Quay (un par de gemelos idénticos norteamericanos famosos por sus animaciones en stop motion y sus peculiares temáticas y lenguajes visuales) no deja de sorprender. En él se combinan eficazmente dispares influencias que van del esoterismo, la literatura surrealista y la filosofía en sus historias, al expresionismo alemán y los trabajos de animadores como Jan Švankmajer y  Wladyslaw Starewicz en sus visuales. El filme cuenta de forma surreal y onírica la historia de un instituto especializado en capacitar personas para la servidumbre. Mediante diversos simbolismos (que establecen nexos con el Eraserhead de David Lynch o el cine mudo expresionista), la escasez y simplicidad de diálogos y un fuerte contraste en el blanco y negro de sus imagenes, el Institute Benjamenta está mas interesado en crear atmósferas que en contar historias.

Alice / Jan Švankmajer / República Checa / 1988

Tal vez el más reconocido animador de stop motion hoy en día, creador de un estilo muy particular que lo mismo transita de la más corrosiva crítica social al más puro surrealismo, Jan Švankmajer se ha valido de modelos en plastilina y arcillas, animales disecados, muñecos,  seres humanos y prácticamente cualquier objeto existente para realizar sus complejas y fluidas animaciones en las que tiene cabida desde el Alice’s Adventures in Wonderland de Lewis Carroll o el Faust de Goethe hasta cuentos de Edgar Allan Poe y Franz Kafka. En este su primer largometraje (después de decenas de geniales cortometrajes entre los que destaca el Dimensions of Dialogue de 1982) juega con los recursos narrativos (el cuento sale de los labios de la misma Alice en close-up), experimenta con la interacción entre seres humanos (Alice) y los demás personajes animados (pesadillescos híbridos de animales y objetos), utiliza sonidos exagerados (evitando el uso de banda sonora), y se encarga de crear una historia oscura y surreal, muy alejada del otras versiones de la historia, que sorprende e inquieta.