101

a ñ o c a t o r c e

Tal parece que el modelo se desgastó. El abrumador aquelarre de CGI, superhéroes, secuelas, remakes y reboots que pareciera dominar los gustos y tendencias del público en general ha exprimido y extenuado a la industria, despertado irónicamente un creciente interés por lo diferente. No es de sorprender que los trabajos mas relevantes y premiados del año se hayan realizado en el marco del cine independiente y, como si de una nueva época de oro se tratara, en la televisión. Los ratings, la taquilla y los Óscares dan prueba de ello. Así, los filmes sobresalientes no vinieron de los grandes estudios o millonarias producciones sino de modestos trabajos (en lo económico que no en lo creativo) de gente como González Iñarritu, Linklater, Cronemberg o Anderson. Confieso que no he visto Ida, ni Boyhood, ni Leviathan, ni Mommy, ni Goodbye to Language, y que la lista que comparto a continuación está conformada únicamente por cintas que  vi y aprecié en el transcurso del año. Las diez del dosmilcatorce:

1. Force Majeure / Ruben Östlund / Suecia

La complejidad del matrimonio, sus viscicitudes, intrincados laberintos e insondeables mecanismos han dado pie a innumerables obras cinematográficas con un rango tan amplio que va desde el onírico filme romántico hasta la más devastadora tragedia griega, pasando por géneros tan disímbolos como la comedia, el terror o el drama psicológico. El sueco Ruben Östlund (anteriormente hábil director de documentales de skiing) toma como vehículo narrativo a la comedia negra, con un ojo clínico tan incisivo como mordaz que termina alejándose de las obras de comedia tradicionales y se acerca peligrosamente a los pesimistas terrenos de Ingmar Bergman (Scenes from a Marriage, 1973) o Stanley Kubrick (Eyes Wide Shut, 1999). Tomando como punto de partida al estereotipo de familia burguesa aparentemente perfecta, juega con los arquetipos y preconcepciones al enfrentarlos a una climática situación (que irónicamente resulta anticlimática) que aunque pasajera e inocua, termina por cimbrar la estructura familiar, los roles internos y los sentimientos reales de sus integrantes, trastocando la supuesta felicidad. Un filme que no es de grandes sucesos sino de actitudes, no es de acciones sino de reacciones. Östlund no juzga, observa y nos invita a participar del ineludible absurdo de las relaciones humanas.

Force Majeure

2. Winter Sleep (Kış Uykusu) / Nuri Bilge Ceylan / Turquía 

Ambientada en la provincia de Anatolia (justo como su anterior filme Once Upon a Time in Anatolia, Turquía, 2011) y basada libremente en un cuento de Anton Chekhov (de hecho toma elementos de tres cuentos del dramaturgo ruso), el épico filme de Bilge Ceylan (cronometra 196 minutos efectivos de duración) funge como el culmen visual y narrativo de una importante, ambiciosa y ascendente trayectoria. Deudor del lirismo visual de Antonini, los cuestionamientos metafísicos de Kiarostami y la incisiva mirada de Bergman hacia las relaciones interpersonales (un mise en scène que nos recuerda al Scenes from a Marriage, Suecia,1973) nos entrega un relato de fuertes matices emocionales en los cuales la belleza del paisaje y el confinamiento de los personajes (tanto geográfico como psicológico) desmenuzan un drama doméstico sobre las percepciones (tanto de los demás como de uno mismo), las diferencias socio-económicas (y las tensiones generadas por ellas), y la inhabilidad de comprender y empatizar con los demás seres humanos.

Winter Sleep3. Closed Curtain (Pardé) / Jafar Panahi / Irán

En diciembre de 2010 Panahi fué encontrado culpable de crimenes contra el regimen islámico y sentenciado a 6 años de cárcel más un veto de 20 años para producir, escribir, colaborar, o rodar cualquier tipo de filme, así como dar entrevistas o abandonar el país. Este terrible atentado contra la libertad y la creatividad tal vez silenció de momento la boca del realizador pero potenció su mente. En 2011 ya se las había ingeniado para filmar This Is Not a Film, con una cámara digital y un presupuesto irrisorio (además la sacó del país en una memoria USB dentro de un pastel). Para 2014 estrena su segunda película de forma ilegal, ahora llamada Closed Curtain que extiende su reflexión sobre el cautiverio, la libertad de expresión y la necesidad de la creación artítica ahora con un matiz más oscuro, críptico y simbólico. Un hombre huye con su perro (al parecer en esta distópica realidad es ilegal tener un can, clara alusión a las cerradas reglas islámicas) para esconderse en una idílica casa frente al mar Caspio. Tapa las ventanas y bloquea las entradas creando un aislamiento con el exterior. Un buen día una pareja de extraños (que también huyen) irrumpen en el recinto rompiendo la frágil estabilidad del lugar. Más tarde un nuevo ente aparecerá en la casa: ahora es el mismo Panahi, que creando una metarrealidad y desvaneciendo esa línea entre ficción y documental establece una sentida reflexión sobre el sentir del artista y el clima político de su país.

Closed-Curtain4. Relatos Salvajes / Damián Szifron / Argentina

El tercer filme del argentino Damián Szifron se presenta como un interesante tandem. Un compendio de seis cortometrajes con el común denominador de una cuidada y meticulosa puesta en escena, un inigualable cuadro actoral, un incisivo y malicioso guión (que fluctúa entre el drama y la comedia más negra), y la venganza como raison d’être y elemento que brinda cohesión entre las partes. De forma astuta se las ingenia para construir un corrosivo panorama del cochambre de la sociedad argentina poniendo en evidencia sus más ocultos pecados: un avión en el que todos los pasajeros misteriosamente tienen algo en común, un corrupto e inescrupuloso político, un violento episodio de road rage, un ingeniero envuelto en una cadena de desgracias, un accidente cobardemente encubierto o una boda venida a mal. Szifron otorga la personalidad de un animal salvaje a cada uno de los protagonistas de las historias, y realiza de paso, uno de las más agresivos asaltos a la sociedad y sistema político de su país natal.relatos-salvajes5. The Grand Budapest Hotel / Wes Anderson / USA Ver entrada 103. GrandBudapestHotel6. Under the Skin /  Jonathan Glazer / UK Ver entrada 114. under_the_skin_stills.2750077. The Wind Rises (Kaze Tachinu) / Hayao Miyazaki / Japón

Hablar de Hayao Miyazaki y de estudios Ghibli es hablar de calidad y tradición. Veneradas por propios y extraños sus producciones combinan magistralmente creatividad, talento y fantasía. Referente obligado del cine de animación Miyazaki, como los grandes, prefirió retirarse en la cumbre anunciando hace apenas un par de años (aunque no por primera vez) su inminente jubilación. Curiosamente su último filme no vendría revestido de surrealistas matices, no tendría personajes fantásticos, ni complejos subtextos, de hecho sería prácticamente lo opuesto: un entrañable biopic. La historia de un inventor (situada en la Segunda Guerra Mundial y obviamente no exenta de controversia por el papel de su país natal en este conflicto) y diseñador de aviones llamado Jiro Horikoshi funge como la cereza del pastel de la obra del auteur. Aficionado a la aviación (con una fuerte atracción a ingrávidas situaciones presentes en la mayoría de sus cintas) logra recrear un relato que se respira autobiográfico y se manifiesta alegórico. A la par de los mejores trabajos de Ghibli The Wind Rises es un gozo a los sentidos y a los sentimientos.

Jiro and paper airplane_out8. Snowpiercer / Bong Joon-ho / Corea del Sur

El cine de Corea del Sur ha crecido exponencialmente en calidad y contenido en las últimas dos décadas. Decenas de nuevos talentos con innovadoras (y perfectamente manufacturadas) propuestas han trascendido las barreras geográficas y del idioma para ganar terreno en el ámbito internacional. Bong Joon-ho es la vívida prueba de ello. Tras tres excelentes obras que transitan desde el thriller hasta el horror fantástico, el coreano sucumbe ante la inevitable tentación de la internacionalización. Snowpiercer es su primer trabajo hablado en inglés y con un elenco de luminarias como Chris Evans, Tilda Swinton o John Hurt, sin olvidar a Song Kang-ho, su actor de cabecera. Basado en el comic francés Le Transperceneige, el filme es un electrizante, audaz y ambicioso viaje a una exstencia ficticia que se antoja real, a una metáfora de la destrucción causada por el hombre, y a las implicaciones del voraz sistema capitalista. Una obra tan creativa y extraña que encantó a unos y alienó a otros, en particular al mismísimo (y tiránico) Harvey Weinstein, quien pasó de distribuidor a detractor, y que curiosamente repitió lo sucedido con otro auteur oriental: Wong Kar-wai (The Grandmaster, 2013), con la diferencia que Joon-ho si se salió con la suya y evitó los recortes a su cinta.

b113f47a41a27b198e8231cdb42d42469. Los Insólitos Peces Gato / Claudia Sainte-Luce / México Photo-Los-Insolitos-OK110. Horse Money (Cavalo Dinheiro) / Pedro Costa / Portugal HorseMoney

Advertisements

66

a ñ o d o c e

El año que termina podría resumirse en una palabra: polarizado. Desde las salas de cine hasta las votaciones a puerta cerrada de los principales festivales o las críticas en las revistas reinó el caos y la falta de unanimidad, prácticamente no hubo una cinta que ganara el favor de todos. La triunfadora de Cannes recibió rechiflas, lo mismo sucedió en la Mostra (Venecia) y en Sundance. La calidad estuvo presente, sí, tal vez más que en años anteriores, pero también las propuestas arriesgadas, creativas, polémicas o simplemente indescifrables. Aquí la lista de lo que mas disfruté del dosmildoce.

1. The Master / Paul Thomas Anderson / USA

Ambientada meticulosamente en los cincuenta, la ultima obra de P.T. Anderson podría considerarse una continuación temática/épica/histórica/dramática de su anterior (y muy logrado) filme There Will Be Blood. La cinematografía es igual de pulcra y preciosista (filmada en un impactante 70mm) alcanzando momentos magistrales (la escena de la foto en que hace referencia a Antonioni); el soundtrack (también) a cargo de Jonny Greenwood es igual de épico y experimental, y las actuaciones monumentales. Aquí un atormentado veterano de guerra encuentra consuelo en el seno de un culto (¿cienciología?) y su manipulador y paternal lider. El encuentro y posteriores acontecimientos detonarán en el individuo crisis de identidad, credo, principios y valores.

The Master (Paul Thomas Anderson) 2. Pietá / Kim Ki-Duk / Corea del Sur

Ki-Duk ha cimentado su estilo en la mezcla de contrastantes elementos: belleza con violencia, fraternidad con venganza y amor con traición. Su viceral enfoque llega a sus mas crudos limites en Pietá. Una violenta y polémica cinta centrada en dos contrastastes personajes, que hipotéticamente, son madre e hijo, y su edípica relación basada en incómodas dinámicas sexuales e instintivas interacciones. Con un desarrollo bastante oscuro (especialmente en la primera mitad), el filme va desenvolviéndose como un interesante estudio psicológico de los personajes y de la convivencia entre los seres humanos, llegando a ser enternecedor y humano a pesar de su brutalidad. Aquí nos encontramos a un Ki-Duk elegante y refinado pero crudo y arriesgado que no teme hacer cine de género, pero muy a su manera. Igual de controversial fué su León de Oro en el 69 Festival de Venecia que aún sigue causando revuelo.

Pietá (Kim Ki-Duk) 3. Post Tenebras Lux / Carlos Reygadas / México

Alejándose cada vez mas de la narrativa y entendiendo al cine como expresión y experimentación visual, la última obra de Reygadas se inscribe de lleno en el cine de auteur al lado de los trabajos de Andrei Tarkovsky Apichatpong Weerasethakul. Transgrediendo reglas de tiempo y espacio e instalándose en una surreal temporalidad de caracter onírico, la cinta buscar ser experimentada mas no entendida. La espiritualidad y corporeidad heredadas de Robert Bresson siguen presentes pero también un pesimista y fatídico existencialismo en la forma de un animado demonio rojo que pasea por la cinta. Imágenes que parecen interconectadas al azar, un omnipresente filtro que difumina los bordes de los cuadros, una sensación de peligro proveniente de la naturaleza (curiosamente Lars Von Trier en Antichrist y Bruno Dumont en Hors Satan tienen aproximaciones similares) hacen de esta obra un paso adelante en la cinematografía del director y un provechoso manifiesto de las posibilidades del cine.

Post Tenebras Lux (Carlos Reygadas) 4. Tabu / Miguel Gomes / Portugal

Dicen que lo que importa no es la historia sino la manera en que la cuentas, y parece que el portugués lo entiende muy bien. Partiendo de una premisa bastante simple y socorrida (una épica historia de amores imposibles ambientada en un exótico lugar) Gomes, en un contrastado e impecable blanco y negro, da cuenta de un relato sobre un intrépido explorador y sus andanzas en África plena epoca colonial. Aquí las referencias al cine y a la historia son columna vertebral del relato: el nombre del filme y las dos partes en que se estructura son vínculos directos a F.W. Murnau (Tabu, a Story of the South Seas, 1931). Ademaás la cinta transita libremente por los géneros del Hollywood clásico (del épico de aventuras al melodrama, de ahí al slapstick, etc…). Es pertinente señalar que el ánimo es desenfadado (el director manipula o inventa sucesos históricos a su antojo), el tratamiento de situaciones políticas o morales es meramente estético, y la experimentación está a la orden del día.

Tabu (Miguel Gomes) 5. De Rouille et D’os / Jacques Audiard / Francia

Drama de crecimiento personal e historia de amor son dos frases que difícilmente podrían asociarse al trabajo de Jacques Audiard. Uno de los directores franceses más interesantes de hoy en día, cimentó su carrera con violentas propuestas centradas en individuos marginados y conflictuados, atados (y destinados) a una trágica existencia. Así, entre vertiginosos thrillers, dramas carcelarios e historias de venganza pareciera que el francés cede en este filme, pero no del todo. De Rouille et D’os sí es un drama y sí se centra en una relación afectiva (entre un agresivo cadenero de un antro, no muy alejado al atípico protagonista de sus filmes, y una entrenadora de ballenas en un parque acuático), pero no niega jamás las constantes de su obra; tiene su dosis de violencia y tragedia pero también dá lugar a la esperanza: el melodrama abre paso a la liberación, y el realismo de las actuaciones abre paso al gozo.

Rust and Bone (Jacques Audiard) 6. Amour / Michael Haneke / Austria

Aunque de cuidada manufactura e impecable puesta en escena los filmes de Michael Haneke son comunmente criticados por el enfoque del austriaco: distante, frío, cruel. Cual experimentos psicológicos sus personajes son diseccionados, maltratatados, violentados, existiendo siempre una barrera emotiva entre actor y espectador. Para su última obra cambia el ánimo y la aproximación. En Amour pesan las actuaciones, incluso sobre la imagen. Haneke esperó 14 años por Jean-Louis Trintignant y el lapso resultó provechoso. Un matrimonio de ancianos ve truncada su apacible vida con la enfermedad, el deterioro físico da para el crecimiento emocional, y la proximidad de la perdida a la valoración de lo que se tiene. Aquí lo emotivo va de la mano de la inteligencia, y las innumerables cualidades del filme le hicieron acreedora a los máximos honores en Cannes.

Amour (Michael Haneke) 7. Beasts of the Southern Wild / Benh Zeitlin / USA

Ver entrada 65. (Quvenzhzé Wallis) 8. The Dark Knight Rises / Christopher Nolan / USA

Dosmilonce también se caracterizó por las franquicias exitosas. A diferencia de otros años hubo propuestas meritorias de bastante calidad como The Hobbit: An Unexpected Journey (Peter Jackson), Prometheus (Ridley Scott) o Skyfall (Sam Mendes), pero a mi gusto las palmas se las lleva el cierre de la trilogía The Dark Knight (2005–2012). The Dark Knight Rises puede ser el eslabón mas débil de la cadena pero en ningún momento desmerece: su puesta en escena es impactante (filmada en formato IMAX), sus secuencias de acción impecables, las actuaciones cumplidoras, el desarrollo ágil, y la narrativa compleja e intrincada. Potente, épica, majestuosa y brutal, es la mezcla perfecta del cine comercial con oficio artístico. Una de las mejores trilogías en la historia y por mucho la mejor saga de superhéroes. Nolan tiene talento y lo demuestra con creces.

The Dark Knight Rises (Christopher Nolan)

9. Holy Motors / Leos Carax / Francia

Ver entrada 67.

Holy Motors (Leos Carax) 10. Moonrise Kingdom / Wes Anderson / USA

Ver entrada 102.

Moonrise Kingdom - Wes Anderson