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a n i m o t i o n

A lo largo de la historia de la cinematografía y de manera paralela al desarrollo de la industria tradicional, se fué gestando un ser lúdico y curioso, que por méritos propios terminaría siendo un ente aparte, dividiría al cine en tres grandes áreas, revolucionaría técnicas y tecnologías (recordemos que el sonido y el color, por ejemplo, fueron explorados ampliamente antes de ser abrazados por la ficción y el documental) y cambiaría la forma de ver cine por siempre y para siempre. La animación ha probado ser una forma de expresión y experimentación visual y sensitiva, capaz de conmover a chicos y grandes y ser tan comercial o tan experimental como el creador lo requiera. 

Así, a continuación mis filmes favoritos de animación:

1. Stop Motion

The Curse of the Were-Rabbit / Nick Park / Inglaterra /  2005

De la mano de la prestigiada casa productora Aardman Animations llega el primer largometraje de la dupla de Wallace & Gromit, un excéntrico inventor y su inteligentísimo perro, que ya habian hecho los deleites del género en un sinfin de premiados cortometrajes. Aqui los ingleses de Aardman demuestran su talento con la plastilina y la arcilla, corroborando que son los actuales maestros de la animación stop motion. Cabe destacar que se convirtió en todo un éxito de crítica y público y fué acreedora al premio de la Academia a mejor filme animado.

Fetiche Mascotte / Wladyslaw Starewicz / Francia / 1933

El ruso Wladyslaw Starewicz fué uno de los pioneros del stop motion y se caracterizó no solamente por sus fluidas y creativas animaciones sino por utilizar insectos y animales en sus obras. Fetiche Mascotte es uno de sus trabajos mas conocidos y se ubica en su etapa francesa. En este filme encontramos a la mascota del título, un perro de juguete, que cobra vida y decide ir al mismísimo infierno para cumplir el deseo de una niña enferma. El resto tiene que ser visto para apreciarse.

Fantastic Mr. Fox / Wes Anderson / USA / 2010

Wes Anderson es uno de los cineastas independientes mas importantes de los últimos años. Sus filmes presentan excéntricos personajes con fuertes conflictos internos, incapacidad de convivencia y aislados de la sociedad. El outsider de Anderson aparece también en este su primer trabajo de animación pero ahora en la figura de un maduro zorro, descontento con su vida, en plena crisis de los cuarentas y en búsqueda de nuevas emociones. Basado en un cuento de Roald Dahl y asesorado por Henry Selick, el Fantastic Mr. Fox es una entretenida fábula que combina distintos tipos de animación, predominantemente el stop motion de figuras de arcilla con pelo real, en una historia de crecimiento personal que lo mismo entretiene a los niños pequeños que plantea inquietudes existenciales en los adultos.

The Nightmare Before Christmas / Henry Selick / USA / 1993

De la mente de Tim Burton (quien escribe, produce y supervisa) y de Henry Selick nos llega una oscura fábula sobre un más oscuro personaje llamado Jack, quien es el rey del pueblo de Halloween. Un buen día decide secuestrar al buenazo de Santa Claus y convertirse en el alma de las festividades navideñas. Con esta original premisa, un diseño de arte que recordaría al mas puro expresionismo alemán, y una serie de expresivos muñecos, la dupla Selick/Burton da vida a una de las mejores peliculas del género y a un clásico de culto para público de todas las edades.

2. Cut Out & Stop Motion

The Adventures of Prince Achmed / Lotte Reiniger / Alemania / 1926

El largometraje animado más antiguo del que se tengan copias existentes y poseedor de una de las más creativas técnicas de animación de las que tengamos memoria lleva el nombre de Die Abenteuer des Prinzen Achmed un lúdico e inolvidable trabajo de la animadora alemana Lotte Reiniger en la que se mezcla el stop motion primitivo con una técnica inventada por la propia Reiniger: cortar siluetas de personajes en cartón y animarlas a manera de sombras o siluetas, superponiéndolas a monocromáticos escenarios creando así un efecto emparentado con el expresionismo alemán tan en boga en esa época y abriendo el espectro a diversos efectos de cámara como la profundidad de campo.

3. Rotoscopia

Waking Life / Richard Linklater / USA / 2001

A Scanner Darkly / Richard Linklater / USA / 2006

Vocero por excelencia de la generación X y cineasta de culto gracias a sus primeros filmes: Slaker, Dazed and Confused y Before Sunrise, Richard Linklater decide en 2001 entrar a terrenos de la animación, pero de una forma poco común. Primero: no abandonaría sus temáticas existencialistas, filosóficas y sociales. Segundo: sus animaciones serían para adolescentes y adultos, alejánsose del cine infantil al que comúnmente se asocian estas producciones. Tercero: utilizaría la técnica de la rotoscopia,  grabando primero a actores con cámaras tradicionales y después trazando y añadiendo efectos computacionales sobre lo grabado previamente. Su primer trabajo en este estilo fué Waking Life, una poética obra, a manera de manifiesto de la generación X, que habla sobre existencialismo, filosofía y sueños. Para la segunda A Scanner Darkly, adapta una obra del reconocido Philip K. Dick, instalándose en el género del thriller sci-fi y dando cuenta de una futurista historia sobre la manipulación gubernamental, la paranoia de la sociedad, el uso y abuso de las drogas y el espionaje a manera de ubicuo big brother sobre los habitantes de las grandes urbes.

4. CGI

Ratatouille / Brad Bird / USA / 2007

Pixar se ha convertido en una palabra conocida por todos y un referente obligado de la animación por computadora (CGI). Sus diversas películas han ido in crescendo, siendo cada vez más maduras, emblemáticas, sorprendentes y divertidas. No podríamos hablar de su trayectoria sin nombrar joyas de la animación como el tríptico Toy Story, Monsters, Inc. o Finding Nemo, pero a mi gusto las que se llevan las palmas son Wall-e, Up y Ratatouille, siendo mi favorita esta última. Dirigida por el experimentado Brad Bird, quién ya había transitado exitosamente por los terrenos de la animación, el filme se presenta como una delicia visual y sensitiva, un tributo a los placeres sibaritas y a los gustos adquiridos, pero también al talento, la creatividad y la fraternidad, simplemente una obra maestra.

5. Animación Tradicional Norteamericana

The Iron Giant / Brad Bird / USA / 1999

Primer largometraje de Brad Bird, quien ya tenía experiencia en series animadas de televisión y videoclips, y producida por la Warnes Bros., The Iron Giant es una filme animado de aventuras y ciencia ficción que narra las aventuras de un chico solitario que encuentra a un gigantesco robot venido del espacio y sus esfuerzos por librarlo de las garras del ejercito norteamericano el cual quiere destruirlo, todo esto ambientado durante lo más álgido de la guerra fría en la década de los cincuenta. Además de poseer una historia de por sí atractiva, las decisiones estilísticas de Bird fueron lo que la convertiría en un clásico inmediato: animación 2D por computadora en formato CinemaScope, combinado con técnicas de animacion tradicional y el apoyo de un grupo de jóvenes estudiantes de la CalArts. El resultado: uno de los grandes filmes de culto del cine animado de todos los tiempos.

Pinocchio / Walt Disney Studios / USA / 1940

Fantasia / Walt Disney Studios / USA / 1940

Después del rotundo éxito de Snow White and the Seven Dwarfs, y la experiencia de una década produciendo más de setenta episodios llamados Silly Symphonies, The Walt Disney Company funda los Walt Disney Studios y entra de lleno a la producción de largometrajes. La elección para el tema de un segundo filme de los estudios sería obvia: adaptar algún popular cuento infantil dando el toque visual y musical que ya  se estaba convirtiendo en un sello de la compañía. El escogido sería Pinocchio basado en el tradicional cuento italiano de Carlo Collodi sobre un muñeco de madera que sueña con convertirse en un niño de verdad. El filme al momento de su estreno no fue el éxito que se esperaba, siendo un tanto oscuro, con personajes siniestros y presentando la maduración del personaje principal como accidentada y dolorosa. Un reestreno años después le daria la razón y el éxito merecido, siendo una de las mas queridas y galardonadas películas de la compañía. Ese mismo año producirían un capricho del mismo Disney llamado Fantasia. Un complejo filme animado estructurado en ocho segmentos animados, entramados por la musicalización de una orquesta tocando en vivo y en live action. Así reconocidas piezas clásicas de Bach, Tchaikovsky, Stravinsky o Beethoven cobran vida al sincronizarse perfectamente con diversas imagenes animadas y se presentan por primera vez en la historia en sonido estereofónico. Una vez más Disney se adelanta a su época, y lo que en su tiempo fuera el primer gran fracaso de los estudios con el tiempo se convertiría en una obra maestra.

5. Animación Tradicional Asiática

Spirited Away / Hayao Miyazaki / Japón / 2001

Con casi media década de experiencia trabajando en animación, no se puede hablar de animación japonesa sin hablar de Hayao Miyazaki. Cofundador de los afamados Studio Ghibli en 1985 y creador de emblemáticos en influenciales filmes como My Neighbor Totoro, Princess Mononoke o Howl’s Moving Castle, Miyazaki ha forjado un estilo único y característico basado en la animación tradicional, con toques de imagenes generadas por computadora para dar en sus propias palabras “un toque de elegancia”, utilizando ágiles personajes con movimientos humanizados, escenarios coloridos, personajes oníricos, temáticas humanistas, progresistas, ecologistas, feministas y que peculiarmente carecen de un villano antagónico. En Spirited Away, tal vez su trabajo más redondo, nos presenta la historia de Chihiro una niña de diez años que se trasporta a una realidad alterna para buscar retirar el embrujo que ha convertido a sus padres en cerdos. Miyazaki nos lleva de la mano a un mundo maravilloso para experimentar el paso a la madurez de Chihiro. No por nada es la película más exitosa en la historia de Japón.

Akira / Katsuhiro Otomo / Japón / 1988

Dirigida por el japonés Katsuhiro Otomo y basada en un manga también de su autoría, Akira es un filme animado de ciencia ficción, de estilo y temática cyberpunk, que rompió los cánones del género y revitalizó los mangas animados. Su peculiar estilo gráfico presenta detallados escenarios, sincronización perfecta del sonido y los diálogos con los personajes, movimientos superfluídos (el filme se compone de más de 160,000 cuadros) y escenas gráficas e hiperviolentas. En cuanto a temática expone temas filosóficos y psicológicos como la corrupción, la ambición y el difícil paso de la niñez a la edad adulta, temas económicos, critica al holocausto nuclear, revoluciones sociales y el rol de la juventud en la sociedad.

Grave of the Fireflies / Isao Takahata / Japón / 1988

Ambientada a finales de la segunda guerra mundial, y partiendo de una novela semi-autobiográfica de  Akiyuki Nosaka, Grave of the Fireflies fué el segundo largometraje de los estudios Ghibli y el primero en no estar bajo la batuta de Miyazaki. El filme se aleja del estilo tan característico de la marca, no contando con personajes fantasiosos o situaciones oníricas y narrando un hecho, tan trágico como real, de una forma que le debe más al neorrealismo italiano que al manga japonés. Aquí se narra la historia de dos hermanos, huérfanos gracias a la guerra, que deciden valerse por si mismos, aislándose de los horrores y tratando de vivir en un mundo de fantasía, pero aquí no hay lugar para los finales felices, los milagros o las sonrisas. La película es trágica, demoledora y desesperanzadora pero humana, entrañable, tierna e inolvidable al mismo tiempo. 

6. Animación Tradicional Europea

La Planète Sauvage / René Laloux / Francia / 1973

Inquietante, violento y surrealista, dirigido por René Laloux y con dibujos y diseño de arte de Roland Topor, La Planète Sauvage se presenta como un filme poco convencional. A pesar de su bajo presupuesto y de las ya muy comentadas dificultades que encontró para su finalizacion y comercialización, se ha convertido en un referente obligado del cine de animación de los setenta y del cine de ciencia ficción de todos los tiempos. En esta historia todo tiene cabida: la ciencia y la superstición, la violencia y la paz o la esclavitud y la libertad. Como si se tratara de una bizarra pesadilla Laloux explora conflictos políticos y sociales muy propios de su época, y su peculiar estilo gráfico y narrativo le valdrían el Grand Prix del Festival de Cannes en 1973.

Allegro non Troppo / Bruno Bozzetto / Italia / 1976

En 1976, el animador italiano Bruno Bozzetto, famoso por sus trabajos satíricos, políticos y sexosos decide realizar un largometraje estructurado por episodios independientes, sincronizados con conocidas piezas clásicas de fondo,  e intercalados por escenas de la orquesta tocando e improvisando en live action y blanco y negro. En papel suena como un remake de Fantasia (Walt Disney Studios, 1940) pero en la práctica es una creatura diferente. El mismo Bozzetto declaró que el haber visto el clásico filme de Disney lo conmovio hasta las lágrimas, por lo que la influencia e inspiración son más que obvias. En este caso los alcances son más modestos al igual que la producción (y el presupuesto): Seis episodios animados que van de la comedia erótica a la tragedia de alturas griegas al son de Vivaldi, Debussy, Dvořák, Stravinsky, Sibelius y Ravel.

Les Triplettes de Belleville / Sylvain Chomet / Francia / 2003

L’Illusionniste / Sylvain Chomet / Francia / 2010

Con una destacada trayectoria como dibujante y editor de comics, Chomet decide entrar al mundo de la animación a finales de los noventa con un creativo y entretenido corto La Vieille Dame et les pigeons que prefiguraba su peculiar estilo visual y narrativo. Sería hasta 2003 con su primer largometraje Les Triplettes de Belleville, cuando el mundo conocería su obra y los premios empezaran a llegar en carretonadas. El porqué es simple, un sofisticado estilo gráfico, reminiscencia del art nouveau de principios del siglo XX, mezclado con el glamour de los veintes y tintes del humor de comediantes clásicos franceses con Jacques Tati. Una musicalización de atmósferas jazzeras, muy al estilo de la época, redondeaba la historia, mezclando en lo técnico a la animación tradicional con toques digitales y una paleta de colores muy característicos. No hay que menospreciar la historia: una peculiar anciana decide emprender la aventura de rescatar a su nieto, un campeón del tour de france, de manos de una bola de mafiosos con la ayuda de las cantantes del título y un obeso can. Para su siguiente largo, Chomet retoma un guión inédito de Tati y le dá vida propia, consolidando su estilo y de pasada rindiendo tributo a uno de sus ídolos.

7. Live Action & Stop Motion

Jason and the Argonauts / Don Chaffey / UK / 1963

Lo que en un principio sería una película más de clase B con temática mitológica se convertiría, en las manos adecuadas, en un clásico del género y tal vez en la mejor obra de fantasía que mezcle live action con stop motion de la historia (después de la celebre King Kong). La clave aquí tiene nombre y apellido: Ray Harryhausen. El experimentado animador ya había creado importantes obras como Mighty Joe Young  o The 7th Voyage of Sinbad, pero lo mejor estaba aún por llegar. Citada como gran influencia por destacados cineastas de la talla de Terry Gilliam o Tim Burton, Jason and the Argonauts narra las épicas aventuras del héroe y al embarcación del título en su búsqueda por el célebre vellocino de oro para así poder derrocar al tirano Pelías. Creaturas como Talos, las arpías o la Hidra de Siete Cabezas son difíles de olvidar por su realismo y excelente manufactura, pero los esqueletos animados son los que se llevan las palmas.

Institute Benjamenta / Brothers Quay / Alemania & UK / 1996

También conocida como This Dream People Call Human Life y editada en 1996, la ópera prima de los Brothers Quay (un par de gemelos idénticos norteamericanos famosos por sus animaciones en stop motion y sus peculiares temáticas y lenguajes visuales) no deja de sorprender. En él se combinan eficazmente dispares influencias que van del esoterismo, la literatura surrealista y la filosofía en sus historias, al expresionismo alemán y los trabajos de animadores como Jan Švankmajer y  Wladyslaw Starewicz en sus visuales. El filme cuenta de forma surreal y onírica la historia de un instituto especializado en capacitar personas para la servidumbre. Mediante diversos simbolismos (que establecen nexos con el Eraserhead de David Lynch o el cine mudo expresionista), la escasez y simplicidad de diálogos y un fuerte contraste en el blanco y negro de sus imagenes, el Institute Benjamenta está mas interesado en crear atmósferas que en contar historias.

Alice / Jan Švankmajer / República Checa / 1988

Tal vez el más reconocido animador de stop motion hoy en día, creador de un estilo muy particular que lo mismo transita de la más corrosiva crítica social al más puro surrealismo, Jan Švankmajer se ha valido de modelos en plastilina y arcillas, animales disecados, muñecos,  seres humanos y prácticamente cualquier objeto existente para realizar sus complejas y fluidas animaciones en las que tiene cabida desde el Alice’s Adventures in Wonderland de Lewis Carroll o el Faust de Goethe hasta cuentos de Edgar Allan Poe y Franz Kafka. En este su primer largometraje (después de decenas de geniales cortometrajes entre los que destaca el Dimensions of Dialogue de 1982) juega con los recursos narrativos (el cuento sale de los labios de la misma Alice en close-up), experimenta con la interacción entre seres humanos (Alice) y los demás personajes animados (pesadillescos híbridos de animales y objetos), utiliza sonidos exagerados (evitando el uso de banda sonora), y se encarga de crear una historia oscura y surreal, muy alejada del otras versiones de la historia, que sorprende e inquieta.

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a ñ o d i e z

El dosmildiez no se caracterizó principalmente por su producción cinematográfica, fué una año flojo en el que la tecnología sustituyó a la calidad y el remake se instaló como un recurso barato para captar audiencias. Aún así tuvimos una sorpresa griega, una tailandesa que conquistó Cannes, una animación  inspirada en Tatí, una lúdica reinvención del género documental y lo último de Kiarostami que siempre es bienvenido. Así que a continuación, sin orden de preferencia, las películas que más disfruté de 2010.

1. Kynodontas (Dogtooth) / Yorgos Lanthimos / Grecia

Ver entrada 4.

2. Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives / Apichatpong Weerasethakul / Tailandia

Complicada en su nombre y más complicada en su puesta en escena, la última obra de Weesasethakul tomó al mundo por sorpresa (festival de Cannes incluído) con un filme que va mucho más allá de ser bueno o malo, y regresa al cine de arte su ya devaluado prestigio. Una película plagada de capas y metáforas que parte de un pretexto narrativo (un hombre, el tío del título, que al enterarse de que padece una enfermedad terminal decide realizar un último viaje acompañado por el fantasma de su esposa muerta y la aparición, en forma de un simio de ojos rojos, de su hijo perdido) para brindarnos reflexiones sobre la muerte, la política o la trascendencia enmarcados en viñetas preciosistas y elegantemente fotografiadas.

3. Madeo (Mother) / Bong Joon-ho / Corea

Con Memories of Murder y The Host, Bong Joon-ho se había presentado como un diestro y capaz artesano, confirmando el buen momento por el cual pasa la cinematografía de su asiático país. Madeo su último filme no solamente lo reitera como un talento a tomar en cuenta, sino se convierte en su mejor trabajo. La historia, también escrita por él, es uno de sus aciertos (una madre sobreprotectora que es capaz de llegar a situaciones extremas con tal de proteger a su venerado hijo, quien padece un ligero retraso mental). Con una sobria y elegante puesta en escena, excelentes y muy creíbles actuaciones, situaciones que transitan desde lo dramático y desgarrador hasta lo cómico y surreal, el dolor de una madre nunca había sido tan agridulce y tan disfrutable.

4. Exit Through the Gift Shop / Banksy / UK-USA

Una de las gratas sorpresas del año vino en la forma de un documental, presentado de tal forma que inyecta una vitalidad al género e invita a diversas posibilidades. Thierry Guetta un inmigrante francés que vive en Los Angeles y su manutención depende del hype que crea en una tienda de ropa, decide un buen día (por casualidad) empezar a registrar su existencia y la de los que lo rodean con una cámara de video, las casualidades siguen y se involucra con un artista conceptual francés que se hace llamar Space Invader. Así, de nuevo por casualidad, termina convirtiéndose en parte esencial del street art norteamericano y esto lo lleva a querer realizar un documental sobre Banksy (el célebre artista callejero inglés que ha cobrado fama por el desenfado, acidez e inteligencia de sus obras así como por su carácter elusivo). Lo que inicia como un ágil e inofensivo documento sobre una incipiente corriente artística termina siendo un incisivo y crítico tratado sobre las modas, el hype, las poses, lo superficial de la sociedad y lo vacío de la pseudointelectualidad norteamericana.

5. Fish Tank  / Andrea Arnold / UK

Una sencilla película inglesa de maduración, acerca de una adolescente de familia disfuncional en pleno despertar sexual se convertiría en las manos adecuadas en una de las ofertas cinematográficas mas frescas y audaces de los últimos años. La directora inglesa Andrea Arnold, con experiencia anterior en cortometrajes y series de tv, nos presenta una historia de confusión y crecimiento, sin contemplaciones ni falsa sensiblería, con una excelente actuación de la quinceañera Katie Jarvis y con un Michael Fassbender que parece estar tomando todas las decisiones correctas en su carrera. Honesto, inteligente y sin caer en abusos o falsas polémicas, Fish Tank es un valiente filme que nos recuerda a películas como  Les quatre cents coups (François Truffaut, 1959).

6. Alamar  / Pedro González-Rubio / México

A medio camino entre documental y ficción y endeudada con el cinema verité, la opera prima de González-Rubio se presenta como un drama familiar ambientado en un hermoso ecosistema marino. Este interesante y naturalista híbrido nos lleva a conocer un sensual y vívido escenario (el segundo arrecife de coral más grande del mundo) en el cual presenciamos el último adios entre un pescador y su pequeño hijo, a punto de partir con su madre al viejo continente. La relación de los dos fluye como lo hace el filme: de forma natural guiado por las fuerzas de la naturaleza: cielo, mar y amor.

7. L’illusionniste / Sylvain Chomet / Francia

Jaques Tatí tal vez fué el mejor cómico que halla tenido Francia, con un talento solo equiparable con su singular visión detrás de la lente y con su desmedida creatividad (que le causara serios problemas a su carrera convirtiéndolo en un peligro para productores e inversionistas). Su obra maestra Playtime fue tan ambiciosa que aunque siendo un éxito de crítica, fracasó en taquilla y tuvo mas notoriedad por el fiasco financiero que por sus cualidades cinematográficas. Al morir dejó pendientes varios trabajos, uno de los cuales fuera retomado por el animador Sylvain Chomet famoso por su anterior trabajo Les Triplettes de Belleville. Combinando su peculiar estilo en animación tradicional con paisajes y escenarios computacionales (que en ningún momento demeritan el aire artesanal del filme) Chomet retoma al emblemático Mr. Hulot y lo convierte en un tierno y entrañable personaje, mucho mas afin al universo de sus creaciones que al crítico y político personaje de Tatí.

8. Black Swan  / Darren Aronofsky / USA

Aronofsky se ha convertido en una voz importante en la industria norteamericana. Junto con Christopher Nolan y PT Anderson se las ha ingeniado para crear un cine interesante en lo artístico y redituable en lo económico, que le ha cimentado una reputación de cineasta de culto. Para su última obra, Black Swan, centra su atención en las obsesiones y transtornos psicológicos de una talentosa bailarina de ballet, que poco a poco va enloqueciendo, una especie de mezca de The Red Shoes (Michael Powell and Emeric Pressburger, 1948) y Repulsion (Roman Polanski, 1965) con fotografía posmoderna y edición vertiginosa. Aronofski crea una fabula estilizada y esquizofrénica, tal vez su filme mas accesible pero al mismo tiempo más maduro.

9. Des hommes et des dieux (Of Gods and Men)  / Xavier Beauvois / Francia

Una de las mejores películas del año vino en la forma de un sobrio relato basado en hechos reales sobre unos monjes que son capaces de sacrificar la vida por su fé. Lo interesante del caso es que el sujeto de estudio de Beauvois no son los monjes, o el narrar (o denunciar) un hecho histórico sino precisamente la fé, esa fé ciega que mueve montañas y que por su carácter etéreo e intangible no es comúnmente considerada un tema a tratar en el promedio de la cinematografía. Una puesta en escena minimalista, con escasez de diálogos, que hace eco de la devoción, disciplina y espiritualidad de los monjes, crea una catarsis con el espectador que conmueve hasta al más escéptico.10. Copie Conforme (Certified Copy)  / Abbas Kiarostami / Francia

Cada filme de Kiarostami es una lección de cinematografía. Cada que nos acercamos a su cine nos sabemos más cerca de una experiencia interactiva que de un mero ejercicio contemplativo. Su último trabajo (tal vez más complaciente y menos experimental) no es menos interesante. Copie Conforme es un refinado drama acerca del tiempo, los sentimientos y el estado del arte. A medio camino entre drama y comedia explora la relación (y la transformación de esta) entre dos personajes (una pareja) a lo largo de un día. Muy en su estilo existe más información que la que se otorga en el filme y se exige una activa participación del espectador.