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a ñ o c a t o r c e

Tal parece que el modelo se desgastó. El abrumador aquelarre de CGI, superhéroes, secuelas, remakes y reboots que pareciera dominar los gustos y tendencias del público en general ha exprimido y extenuado a la industria, despertado irónicamente un creciente interés por lo diferente. No es de sorprender que los trabajos mas relevantes y premiados del año se hayan realizado en el marco del cine independiente y, como si de una nueva época de oro se tratara, en la televisión. Los ratings, la taquilla y los Óscares dan prueba de ello. Así, los filmes sobresalientes no vinieron de los grandes estudios o millonarias producciones sino de modestos trabajos (en lo económico que no en lo creativo) de gente como González Iñarritu, Linklater, Cronemberg o Anderson. Confieso que no he visto Ida, ni Boyhood, ni Leviathan, ni Mommy, ni Goodbye to Language, y que la lista que comparto a continuación está conformada únicamente por cintas que  vi y aprecié en el transcurso del año. Las diez del dosmilcatorce:

1. Force Majeure / Ruben Östlund / Suecia

La complejidad del matrimonio, sus viscicitudes, intrincados laberintos e insondeables mecanismos han dado pie a innumerables obras cinematográficas con un rango tan amplio que va desde el onírico filme romántico hasta la más devastadora tragedia griega, pasando por géneros tan disímbolos como la comedia, el terror o el drama psicológico. El sueco Ruben Östlund (anteriormente hábil director de documentales de skiing) toma como vehículo narrativo a la comedia negra, con un ojo clínico tan incisivo como mordaz que termina alejándose de las obras de comedia tradicionales y se acerca peligrosamente a los pesimistas terrenos de Ingmar Bergman (Scenes from a Marriage, 1973) o Stanley Kubrick (Eyes Wide Shut, 1999). Tomando como punto de partida al estereotipo de familia burguesa aparentemente perfecta, juega con los arquetipos y preconcepciones al enfrentarlos a una climática situación (que irónicamente resulta anticlimática) que aunque pasajera e inocua, termina por cimbrar la estructura familiar, los roles internos y los sentimientos reales de sus integrantes, trastocando la supuesta felicidad. Un filme que no es de grandes sucesos sino de actitudes, no es de acciones sino de reacciones. Östlund no juzga, observa y nos invita a participar del ineludible absurdo de las relaciones humanas.

Force Majeure

2. Winter Sleep (Kış Uykusu) / Nuri Bilge Ceylan / Turquía 

Ambientada en la provincia de Anatolia (justo como su anterior filme Once Upon a Time in Anatolia, Turquía, 2011) y basada libremente en un cuento de Anton Chekhov (de hecho toma elementos de tres cuentos del dramaturgo ruso), el épico filme de Bilge Ceylan (cronometra 196 minutos efectivos de duración) funge como el culmen visual y narrativo de una importante, ambiciosa y ascendente trayectoria. Deudor del lirismo visual de Antonini, los cuestionamientos metafísicos de Kiarostami y la incisiva mirada de Bergman hacia las relaciones interpersonales (un mise en scène que nos recuerda al Scenes from a Marriage, Suecia,1973) nos entrega un relato de fuertes matices emocionales en los cuales la belleza del paisaje y el confinamiento de los personajes (tanto geográfico como psicológico) desmenuzan un drama doméstico sobre las percepciones (tanto de los demás como de uno mismo), las diferencias socio-económicas (y las tensiones generadas por ellas), y la inhabilidad de comprender y empatizar con los demás seres humanos.

Winter Sleep3. Closed Curtain (Pardé) / Jafar Panahi / Irán

En diciembre de 2010 Panahi fué encontrado culpable de crimenes contra el regimen islámico y sentenciado a 6 años de cárcel más un veto de 20 años para producir, escribir, colaborar, o rodar cualquier tipo de filme, así como dar entrevistas o abandonar el país. Este terrible atentado contra la libertad y la creatividad tal vez silenció de momento la boca del realizador pero potenció su mente. En 2011 ya se las había ingeniado para filmar This Is Not a Film, con una cámara digital y un presupuesto irrisorio (además la sacó del país en una memoria USB dentro de un pastel). Para 2014 estrena su segunda película de forma ilegal, ahora llamada Closed Curtain que extiende su reflexión sobre el cautiverio, la libertad de expresión y la necesidad de la creación artítica ahora con un matiz más oscuro, críptico y simbólico. Un hombre huye con su perro (al parecer en esta distópica realidad es ilegal tener un can, clara alusión a las cerradas reglas islámicas) para esconderse en una idílica casa frente al mar Caspio. Tapa las ventanas y bloquea las entradas creando un aislamiento con el exterior. Un buen día una pareja de extraños (que también huyen) irrumpen en el recinto rompiendo la frágil estabilidad del lugar. Más tarde un nuevo ente aparecerá en la casa: ahora es el mismo Panahi, que creando una metarrealidad y desvaneciendo esa línea entre ficción y documental establece una sentida reflexión sobre el sentir del artista y el clima político de su país.

Closed-Curtain4. Relatos Salvajes / Damián Szifron / Argentina

El tercer filme del argentino Damián Szifron se presenta como un interesante tandem. Un compendio de seis cortometrajes con el común denominador de una cuidada y meticulosa puesta en escena, un inigualable cuadro actoral, un incisivo y malicioso guión (que fluctúa entre el drama y la comedia más negra), y la venganza como raison d’être y elemento que brinda cohesión entre las partes. De forma astuta se las ingenia para construir un corrosivo panorama del cochambre de la sociedad argentina poniendo en evidencia sus más ocultos pecados: un avión en el que todos los pasajeros misteriosamente tienen algo en común, un corrupto e inescrupuloso político, un violento episodio de road rage, un ingeniero envuelto en una cadena de desgracias, un accidente cobardemente encubierto o una boda venida a mal. Szifron otorga la personalidad de un animal salvaje a cada uno de los protagonistas de las historias, y realiza de paso, uno de las más agresivos asaltos a la sociedad y sistema político de su país natal.relatos-salvajes5. The Grand Budapest Hotel / Wes Anderson / USA Ver entrada 103. GrandBudapestHotel6. Under the Skin /  Jonathan Glazer / UK Ver entrada 114. under_the_skin_stills.2750077. The Wind Rises (Kaze Tachinu) / Hayao Miyazaki / Japón

Hablar de Hayao Miyazaki y de estudios Ghibli es hablar de calidad y tradición. Veneradas por propios y extraños sus producciones combinan magistralmente creatividad, talento y fantasía. Referente obligado del cine de animación Miyazaki, como los grandes, prefirió retirarse en la cumbre anunciando hace apenas un par de años (aunque no por primera vez) su inminente jubilación. Curiosamente su último filme no vendría revestido de surrealistas matices, no tendría personajes fantásticos, ni complejos subtextos, de hecho sería prácticamente lo opuesto: un entrañable biopic. La historia de un inventor (situada en la Segunda Guerra Mundial y obviamente no exenta de controversia por el papel de su país natal en este conflicto) y diseñador de aviones llamado Jiro Horikoshi funge como la cereza del pastel de la obra del auteur. Aficionado a la aviación (con una fuerte atracción a ingrávidas situaciones presentes en la mayoría de sus cintas) logra recrear un relato que se respira autobiográfico y se manifiesta alegórico. A la par de los mejores trabajos de Ghibli The Wind Rises es un gozo a los sentidos y a los sentimientos.

Jiro and paper airplane_out8. Snowpiercer / Bong Joon-ho / Corea del Sur

El cine de Corea del Sur ha crecido exponencialmente en calidad y contenido en las últimas dos décadas. Decenas de nuevos talentos con innovadoras (y perfectamente manufacturadas) propuestas han trascendido las barreras geográficas y del idioma para ganar terreno en el ámbito internacional. Bong Joon-ho es la vívida prueba de ello. Tras tres excelentes obras que transitan desde el thriller hasta el horror fantástico, el coreano sucumbe ante la inevitable tentación de la internacionalización. Snowpiercer es su primer trabajo hablado en inglés y con un elenco de luminarias como Chris Evans, Tilda Swinton o John Hurt, sin olvidar a Song Kang-ho, su actor de cabecera. Basado en el comic francés Le Transperceneige, el filme es un electrizante, audaz y ambicioso viaje a una exstencia ficticia que se antoja real, a una metáfora de la destrucción causada por el hombre, y a las implicaciones del voraz sistema capitalista. Una obra tan creativa y extraña que encantó a unos y alienó a otros, en particular al mismísimo (y tiránico) Harvey Weinstein, quien pasó de distribuidor a detractor, y que curiosamente repitió lo sucedido con otro auteur oriental: Wong Kar-wai (The Grandmaster, 2013), con la diferencia que Joon-ho si se salió con la suya y evitó los recortes a su cinta.

b113f47a41a27b198e8231cdb42d42469. Los Insólitos Peces Gato / Claudia Sainte-Luce / México Photo-Los-Insolitos-OK110. Horse Money (Cavalo Dinheiro) / Pedro Costa / Portugal HorseMoney

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a ñ o t r e c e

Ecléctico y personal, el año que termina se caracterizó por obras de espléndidas visuales (los filmes de Sorrentino, Cuarón, Korine y Winding Refn), meritorios regresos (Scorsese, los Coen, Allen, Payne, Jarmusch, Denis), inventivos documentales (Oppenheimer, Bendjelloul, Cowperthwaite, Polley) y consagraciones (McQueen, Cianfrance, Nichols, Kechiche, Escalante, Larraín, Jonze). Aquí la lista de lo que mas disfruté del dosmiltrece.

1. La Grande Bellezza / Paolo Sorrentino / Italia

Poseedor de una nada despreciable filmografía, Paolo Sorrentino ha creado su obra maestra: una Feliiniesca epopeya (maravillosamente protagonizada por Tony Servillo), en la cual un maduro socialité deambula por una preciosista Roma cuestionando de paso vida, filosofía, religión y trascendencia a manera de un poético, surreal y onírico viaje a través de la memoria, la arquitectura y la extravagante vida social cosmopolita. Imprescindible cinta que tan solo con su título lo dice todo.

The Great Beauty

2. 12 Years a Slave / Steve McQueen / UK 

Respetado y venerado como artista conceptual, McQueen ha tenido una meteórica y ascendente carrera dentro del ámbito cinematográfico. Después de dos polémicas e importantes cintas que lo mismo analizaban los límites del cuerpo humano (ya sea en condiciones físicas extremas o en la alienación social por medio de las perversiones sexuales), traslada la narrativa al norteamericano estado de Louisiana, en pleno siglo diecinueve, para contar la historia de un hombre esclavizado por el color de su piel, y su constante enfrentamiento a las vejaciones, injusticias y torturas que le son infligidas. Se presenta aquí una nueva corporeidad: la del dolor, las cicatrices, las heridas. Devastadora y humana la película se convierte en uno de los mas veraces y vívidos retratos de una momento histórico que no debe ser olvidado.

12 Years a Slave

3. The Act of Killing / Joshua Oppenheimer / Dinamarca – UK

Arriesgado, provocador, crudo y sumamente creativo, Act of Killing es un parte-aguas en la historia de los documentales. Oppenheimer decide trasladarse al lugar de los hechos (filma en Indonesia) para entrevistar a Anwar Congo y sus colegas (antes asesinos y criminales, hoy respetadas figuras de su país), quienes apoyados por el gobierno orquestarían y ejecutarían la muerte de mas de un millón de personas, algunas décadas atrás. De forma astuta el director se las ingenia para que los susodichos sujetos interpreten recreaciones de estos crímenes masivos, unas veces a manera de film noir, otras como bailables, unas más como surreales producciones. El efecto de esta peculiar estrategia dará lugar no solo a la reflexión del espectador sino a la humanización del malvado, enfrentándolo a las repercusiones de su obra.

The Act of Killing

4. La Vie d’Adèle / Abdellatif Kechiche / Francia

Ganador indiscutible de la Palme d’Or en el pasado festival de Cannes, el filme narra de forma sincera, realista y sin prejuicios la maduración física, psicológica y consecuentemente sexual de la adolescente del título. La presunta sencillez del guión se convierte en densura gracias al realismo y gráfico detalle que imprime Kechiche, especialmente en las largas escenas de sexo (que causaron mucha polémica) dando veracidad a un relato moderno, elegante, desprejuiciado, emocional y absorbente. Tres horas intensas de una compleja relación amorosa entre dos mujeres que buscan su lugar en el mundo. Maravillosa.

Blue is the Warmest Color

5. Spring Breakers / Harmony Korine / USA

Ver entrada 96.

Spring Breakers

6. Frances Ha / Noah Baumbach / USA

De estilo mumblecore, dirigido por un excelente y propositivo guionista (colaborador de cabecera de Wes Anderson), e interpretado (y coescrito) por la talentosa Greta Gerwig, Frances Ha es un interesante e incisivo retrato de la juventud clasemediera norteamericana que, aprovechando su status y su pseduo intelectualidad universitaria, se niega a crecer, a madurar y a encontrar (y definir) el rumbo de su vida. Gerwig como la Frances del titulo, es una bailarina amateur neoyorkina buscando oportunidades en la urbe de hierro, y que, al enfrentarse a la adultez (tiene la terrible edad de 27 años) se topa de frente con el desencanto, el temor y la realidad. Lo mismo irritante que entrañable, la tragicomedia que teje Baumbach nos atrapa lentamente en sus redes invitándonos a la reflexión sin emitir juicio alguno. Mención aparte merece la fotografía, con fuerte influencia de la nouvelle vague, en un cuidado y preciosista blanco y negro.

Frances Ha

7. Only God Forgives /  Nicolas Winding Refn / Dinamarca

Ver entrada 87.

Only God Forgives

8. Gravity  / Alfonso Cuarón / USA

Ver entrada 84.

Gravity

9. Soshite Chichi ni Naru (Like Father, Like Son)  / Hirokazu Koreeda / Japón

Contemplativo y reflexivo, el cine de Koreeda se ha convertido en un referente del cine japonés contemporáneo, y el cineasta en uno de los mejores y más reconocidos auteurs del país nipón. Con una sólida carrera (en la que ha filmado cintas tanto de ficción como documentales) nos presenta aquí una emocional, fresca, y enternecedora visión sobre las implicaciones de la paternidad y la repercusión de las decisiones de los padres en los hijos. Con su característico ritmo relajado y buen ojo para la descripción y el detalle, presenciamos una ficción naturalista (no exenta de humor) sobre los giros de la vida, la crueldad del destino, la estructura familiar, y los mecanismos de ser padre, no solo biológico sino de crianza. 

Like Father, Like Son

10. Heli  / Amat Escalante / México

La mejor película de Escalante, el mejor filme mexicano del año y el premio a mejor director en el festival de Cannes del 2013 (a manos de Steven Spielberg), tengo que decir algo más?…

Heli

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¡Qué viva México!

La cinematografía nacional se podría englobar en dos grandes bloques: la época de oro del cine mexicano (1936 – 1957) y el nuevo cine mexicano (1989 – actualidad), ambos importantes por el volumen y calidad de las producciones así como su repercusión en el extranjero. Estos dos bloques definirían el hacer y quehacer nacional así como las pautas a seguir y por las que sería conocido, difundido y recordado. Aprovechando el mes patrio tomemos el segundo bloque y vamos seleccionando a las mejores 25 películas de los últimos 25 años de la historia del cine mexicano.

1. Rojo Amanecer / Jorge Fons / 1989

2. El Callejón de los Milagros / Jorge Fons / 1995

La primera es una cinta valiente. Frente a un tiránico regimen priista caracterizado por la represión y la censura a los medios de comunicación, Fons se atreve a contar la historia de lo sucedido el 2 de octubre de 1968 en Tlatelolco. Tomando como personajes a los habitantes de los multifamiliares donde se perpetró la tragedia, se vale del recurso de contar la historia desde un mismo escenario (el interior de los departamentos) para generar un sentimiento de empatía en el espectador (una analogía a lo claustrofóbico de la situación), y el aprovechar al máximo los pocos y monitoreados (por el mismo gobierno) recursos de la producción. 

La segunda se presenta como una sólida historia con una excelente adaptación (por Vicente Leñero), un elenco que incluye a muchos de los nombres más importantes dentro del panorama nacional, mano firme en la dirección y una notable manufactura que convirtieron a este filme en un éxito internacional y a sus protagonistas en estrellas. Fons toma elementos del cine de contracultura mexicano (sordidez, desinhibida sexualidad, probreza, machismo, violencia intrafamiliar, denuncia social) y lo mezcla con una estructura narrativa nunca antes vista en nuestro cine que lo emparenta con el indie norteamericano de Altman o Tarantino.

3. Verano de Goliat / Nicolás Pereda / 2010

Transgresor de la barrera entre ficción y realidad, Pereda realiza un cine sumamente económico, austero y naturalista que lo sitúa a la par de cineastas vanguardistas como Pedro Costa, Apichatpong Weerasethakul o Lisandro Alonso. Su narrativa es elíptica y fracturada, sus tomas largas y contemplativas. Con énfasis en la imagen sobre el diálogo aquí los cuerpos dicen más que las palabras. Ganadora en el festival de Venecia, el filme muestra un evocativo y poético retrato de la coidianedidad en una pequeña población, por medio de pasajes de ficción mezclados con técnicas documentales y recreaciones dramáticas.

4. Desierto Adentro / Rodrigo Plá / 2008

Uruguayo de nacimiento y mexicano por adopción, Plá ha fincado una breve pero fructífera carrera en nuestro país. Este su segundo largometraje narra un suceso histórico poco difundido, conocido y retratado: la guerra cristera (1926 – 1929). La ambientación, vestuario, locaciones y diseño de arte están muy bien realizados y estructurados, las actuaciones son sólidas y creíbles, y un logrado mood de marginación, ignorancia y fanatismo religioso permea todo un filme salpicado de realismo pero también de misticismo y magia.

5. Sólo con tu Pareja / Alfonso Cuarón / 1991

6. Y Tú Mamá También / Alfonso Cuarón / 2001

En la primera Cuarón se aleja de los lugares comunes de la industria mexicana y voltea su lente a la clase media alta chilanga, presentando una screwball comedy en todo el sentido de la palabra. Con un timing influenciado por Ernst Lubitsch, unos ingeniosos diálogos a la Billy Wilder y una elegante y sofisticada fotografía en paleta de verdes (cortesía de un joven Emmanuel Lubezki) que se distanciaba del hiperrealismo morboso del omnipresente cine de denuncia social. Aunado a esta propuesta visual que ya lo mostraba como a un auteur en potencia estaba la actualidad de la temática: el sida, la sexualidad y los problemas de comunicación en una urbe cosmopolita de finales del siglo XX.

Depués de varios años trabajando en el extranjero Cuarón vuelve a su país natal para hacer un filme más. Alejado de su etapa verde y buscando explorar nuevos lenguajes cinematográficos articula una realista road-movie (con voz de Daniel Giménez Cacho en off, comentarios elípticos o descriptivos incluídos) sobre dos adolescentes citadinos que se van a la aventura por los caminos rurales de México acompañados de una atractiva mujer varios años mayor que ellos. El filme esta cargado de lenguaje soez, es desparpajado, políticamente incorrecto y plagado de desnudez y cachondería pero también habla de la situación política y social de un país tercermundista, de clases sociales, de madurez, de amistad, e incluso de muerte y trascendencia. 

7. Somos Lo Que Hay / Jorge Michel Grau / 2010

Desde su premisa (una cinta de terror/drama sobre canibalismo), la opera prima de Michel Grau prefiguraba a una creatura extraña en el cine mexicano. Alejado de cliches y convencionalismos se teje un interesante y bien logrado filme con pocas pero escalofriantes escenas gore, un suspenso in crescendo, y un negrísimo sentido del humor.  La historia de una familia de caníbales que al perder a la cabeza del clan tienen que salir a las calles a, literalmente, cazar su comida, es una efectiva cinta que ofrece un nuevo aire a un género poco explorado en los últimos años. 

8. La Invención de Cronos / Guillermo del Toro / 1993

9. El Laberinto del Fauno / Guillermo del Toro / 2006

El cine de horror usualmente es un ente de excesos, a menudo estos excesos (escenografía, maquillaje, efectos visuales o efectos sonoros) demeritan lo visto en pantalla y descalifican lo que pudo haber sido un buen mise en scène. Pareciera que desde su ópera prima Del Toro intuyera este hecho y lejos de intimidarse basó su éxito en la proporción de los elementos: criaturas fantásticas, terroríficos escenarios, efectivo suspenso, reales y entrañables personajes, inteligentes guiones y connotaciones sociales, políticas e históricas. En Cronos opta por la mesura, narrando una postmoderna historia de vampiros desde el punto de vista de un anciano tentado por el espejismo de la eterna juventud. Oscura y decadente, la historia no deja de lado el amor familiar (abuelo/nieta), la tentación y la redención, convirtiendo a este filme en una interesante variante del popular género.

Trece años después dirige otra coproducción México-España, situando de nuevo la acción en la peninsula ibérica, mera época Franquista, narrando una desgarradora historia que transita libremente del más crudo realismo a la más épica fantasía, todo desde el punto de vista de una niña atrapada en el medio de este periodo histórico. Tomando influencias de la literatura fantástica infantil y el realismo mágico latinoamericano crea un filme rico en lo visual e inolvidable en lo afectivo.

10. Profundo Carmesí / Arturo Ripstein / 1996

Ripstein fué de los muy pocos directores, que siendo fieles a su estilo, sobrevivió durante las difíciles décadas de los sesenta y setenta en las cuales pareciera que el cine mexicano estaba acabado. Considerado uno de los pocos auteurs nacionales, ha sabido patentar su estilo basado en la sordidez, desengaño y existencialismo de la clase trabajadora mexicana presentando personajes patéticos y grises pero con dignidad y principios. Para mediados de los noventa retoma la anécdota de una pareja de asesinos seriales (adaptación llevada varias veces a la pantalla grande, tal vez la más notable The Honeymoon Killers de Leonard Kastle, 1990) mexicanizada con gran tino por su pareja y guionista de cabecera Paz Alicia Garciadiego. La anti-romántica historia de una acomplejada y obesa enfermera (impecable Regina Orozco) enamorada de un patético gigolo estafador de mujeres (imprescindible Daniel Giménez Cacho), vueltos asesinos seriales que siembran el terror en el México de los años cuarenta se convertiría en una de las mejores obras del director y uno de las cintas clave de finales del siglo XX.

11. El Violín / Francisco Vargas / 2005

Una sencilla y modesta producción de un director prácticamente desconocido tomaría por sorpresa la escena nacional de principios del siglo XXI. La historia de un anciano campesino que se acompaña de su violín y que, teniendo una doble vida, ayuda a la guerrilla opuesta al ejército en los albores de una revolución, es contada aquí en un elegante y contrastado blanco y negro, con realistas actuaciones amateurs (en especial del protagonista, Ángel Tavira). Temas tan variados como política, música o sufrimiento son convertidos en poesía en esta brutal y heroica ópera prima.

12. Temporada de Patos Fernando Eimbcke / 2004

13. Lake Tahoe Fernando Eimbcke / 2008

A pesar de tener tan solo dos filmes en su haber, Fernando Eimbcke se ha convertido en uno de los directores más propositivos del nuevo cine mexicano. Con su ópera prima (curiosa mezcla de dos de sus principales influencias: Jim Jarmusch y Yasuhiro Ozu), presenta una simpática cinta en el que supuestamente no pasa nada, narrando la historia de dos adolescentes en un aburrido domingo, sin nada que hacer y sin luz en su departamento. Partiendo de esta insulsa premisa articula un ingenioso filme, en un jarmuschiano blanco y negro, que convierte el ocio en aventura, la pubertad en madurez y la tristeza en ilusión. 

Para su segunda obra, Eimbcke escoge a un drama pero decide no aproximarse a él de la forma tradicional. Escapando de formalismos y estereotipos, se aparta de los personajes fotografiando el drama a distancia (un alejamiento de la clasutrofóbica fatalidad) y articula la historia a manera de viñetas con fade outs incluídos. Aquí los encuadres son estáticos, el desarrollo de la trama lenta y contemplativa, pero curiosamente el enfoque es más humano y el resultado encomiable. Se aleja del manierismo de Jarmusch y se acerca al realismo de Kaurismäki, se preocupa por el crecimiento del personaje principal pero nunca lo sofoca, la melancolía es real y no un estilo o pose.

14. Los Bastardos / Amat Escalante / 2008

Filmada en estilo documental, utilizando actores amateurs (que incluso en la vida real desarrollan profesiones similares a las narradas en el filme) y tendiendo no pocos guiños al cine de Michael Haneke, la segunda obra del guanajuatense Escalante, se presenta como una polémica y desgarradora visión del inmigrante mexicano buscando oportunidades en los Estados Unidos. Provocador y violento, el relato de las últimas 24 horas en la vida de dos mojados que buscando salir adelante terminan como desalmados criminales, funge más como un trabajo formal que como una obra de denuncia social. Colaborador frecuente de Reygadas, no niega su influencia en lo visual tomando de éste los largos planos, los estrictos encuadres y la naturalista iluminación pero poniendo distancia en cuanto al desarrollo de las historias y los personajes. Se aleja de la poesía y la reflexión, y se centra en la postura fatalista del hombre como un ser destructivo y tendiente al mal en esta obra perturbadora, asfixiante e inquietante.

15. Japón / Carlos Reygadas / 2002

16. Batalla en el Cielo / Carlos Reygadas / 2005

17. Luz Silenciosa / Carlos Reygadas / 2007

Tal vez el mejor director mexicano de la actualidad (junto con Alfonso Cuarón), Reygadas se ha encargado de poner a México en el panorama del cine de arte internacional con arriesgados filmes que saben a Bresson, Dreyer, Tarkovski o Antonioni pero también tienen vida propia, y muestran la realidad nacional de la urbe, el campo o las etnias. En su primer trabajo da cuenta de la travesía de un agónico ser, que viéndolo todo perdido busca el lugar idóneo para morir, enmarcado por los poéticos paisajes de la sierra mexicana (ver entrada 8).

Para su segunda obra acelera el paso, cede en lo narrativo y traslada la historia a la ciudad de México, contando la historia de un chofer de clase media baja que tiene una vida aburrida y desencantada, es víctima de la discriminación clasista, fantasea sexualmente con la hija del patrón, se masturba viendo a su equipo favorito de futbol, y en un torcida y conveneciera concepción de la religión católica, cree que con ir a una peregrinación a la Basílica se le perdonarán todos sus pecados, así sean tan grandes como el peso de la culpa mismo. Lo trivial del relato cede ante la fuerza de las imágenes: una felación en primer plano, en la cual la cámara gira lentamente para apreciar el acto por todos sus ángulos; un complejo plano de 360º que se desplaza desde la recámara, sale por la ventana, da cuenta de todos y cada uno de los edificios vecinos y regresa a su lugar de inicio (sutil referencia al The Passenger de Antonioni, 1975); la ceremonia de los honores a la bandera; una procesión pasando por una gasolinera; o el voyeurista registro imposible de un encuentro sexual. Aquí lo trivial se convierte en poesía y la plástica tiene sustancia, Reygadas se consolida como auteur y de pasada hace una radiografía de la sociedad mexicana.

Su tercer filme, y tal vez el más notable, viaja a la sierra de Chihuahua y cuenta una historia gestada dentro de una comunidad menonita. Los actores son los habitantes del lugar, el idioma es el nativo (plautdietsch), las situaciones verosímiles. Jugando con el ritmo lento, largas tomas y el naturalismo de la puesta en escena los contrasta con la amplificación de los sonidos naturales, la ausencia de un score y el carácter hiperrealista de la obra. La carnalidad y corporeidad siguen siendo constantes de sus cintas, mostradas aquí en la infidelidad de dos seres, habitantes de una comunidad ultraconservadora, y el peso de la culpa por sucumbir a tan terrenales tentaciones. El cuerpo convive con el espíritu y la redención puede llegar con un milagro, Reygadas toma de Dreyer la fé y convierte la realidad en magia.

18Santa Sangre / Alejandro Jodorowsky / 1989

Complejos y extraños, los filmes de Alejandro Jodorowsky mezclaban magia con mímica, psicoanálisis con metafísica y religión con surrealismo. Después de haber sido un ícono del cine avant garde en los setentas, Jodorowsky prácticamente había desparecido de la industria hasta su regreso triunfal con este filme de 1989. Inscrito en el terror y basado en la historia de un asesino serial de mujeres (manipulado psicológicamente por la sombra de la madre), Santa Sangre es el trabajo más convencional (no por esto menos violento, menos controversial o menos arriesgado) del director. Un joven internado en un manicomio escapa para reunirse con su pasado: la infidelidad del padre, la mutilación de la madre y la incapacidad de ser feliz o normal. Podemos encontrar múltiples referencias religiosas, postulados de la psicomagia (religión inventada y abanderada por el mismo director) y fuerte crítica política y social (iconografías como la bandera norteamericana o el águila de la moneda mexicana).

19La Ley de Herodes / Luis Estrada / 1999

20. El Infierno / Luis Estrada / 2010

Uno de los más acérrimos críticos de la política nacional Luis Estrada ha orquestado una tercia de filmes que han enfrentado la censura y denunciado las irregularidades de los partidos políticos mexicanos. Con la Ley de Herodes fué el primero en burlar la represión mediática del PRI, partido con más de 70 años en el poder y de no transparentes manejos. A manera de fábula satírica nos trasladamos a una pequeña comunidad rural, mediados del siglo pasado. A ella llega un antiguo e idealista militante del partido en cuestión (Damián Alcázar) que de ser un inocente y bonachón individuo se convierte en un tiránico, opresivo y corrupto líder, capaz hasta de matar con tal de seguir en el poder. Mordaz e irónico ponía la sal en las heridas y con ojo clínico retrataba los más arraigados vicios y manejos de la corrupta soberanía. 

Más acida y arriesgada, y con una mayor producción llegó en 2010 El Infierno, última obra del director y en la que pone el ojo no solo en la corrupción de las esferas políticas sino en los manejos del narcotráfico y el crimen organizado. Estelarizada de nuevo por un efectivo Damián Alcázar, el filme retrata de forma satírica y agridulce la historia de un fracasado inmigrante que al volver a su pueblo se encuentra destinado al crimen, al parecer, única oportunidad para una persona como él. Estrada no ofrece concesiones ni toma partido, tanto sataniza al bueno (la policía, el ejército, los altos mandos) como al malo  (sicarios, narcotraficantes, criminales, prostitutas). En su mundo (que no está nada alejado del real) todos sufren: los malos tienen mucho pero viven poco, y el miedo a morir es su única motivación. Los buenos viven con miedo y con un sentimiento omnipresente de fatalidad. El guión juega lúdicamente con los géneros pasando sutilmente de la comedia al drama, a la violencia del cine de acción, e incluso a la tortura y al gore

21. Cabeza de Vaca  / Nicolás Echevarría  / 1990

Filme poco convencional que narra las andanzas del conquistador español Álvar Núñez Cabeza de Vaca, quién creyendo llegar a la Florida, es capturado por indígenas en tierras texanas para terminar convirtiéndose en un shaman. La cinta es una poética adaptación del libro escrito por el mismo conquistador (Naufragios) retratando de forma plástica y  artística el choque cultural de europeos y americanos. La narrativa se aleja del rigor histórico y del pasado documentalista de Echavarría para ahondar en el misticismo encontrado por el protagonista (quien hace las veces de narrador del relato). Aquí la lógica abre paso al disfrute visual y sensitivo: imágenes, movimientos de cámara, actuaciones, sonidos y músicas.

22. Alamar  / Pedro González-Rubio / 2009

A medio camino entre documental y ficción y endeudada con el cinema verité, la opera prima de González-Rubio se presenta como un drama familiar ambientado en un hermoso ecosistema marino. Este interesante y naturalista híbrido nos lleva a conocer un sensual y vívido escenario (el segundo arrecife de coral más grande del mundo) en el cual presenciamos el último adios entre un pescador y su pequeño hijo, a punto de partir con su madre al viejo continente. La relación de los dos fluye como lo hace el filme: de forma natural guiado por las fuerzas de la naturaleza: cielo, mar y amor.

23. Como Agua Para Chocolate / Alfonso Arau / 1992

De esas raras ocasiones en que un filme con manufactura y presupuesto comercial se topa con un buen guión y se convierte en un producto con valores estéticos y redituables. Arau venía llegando de Hollywood después de trabajar varios años por aquellos lares y aprender el oficio, Como Agua Para Chocolate era un bestseller que englobaba el realismo mágico tan característico de la literatura contemporánea latinoamericana y el romance telenovelero; ambos (técnica visual y contenido narrativo) tenían los ingredientes para triunfar y lo hicieron con solvencia. El filme se convirtió en la punta de lanza del resurgimiento del cine mexicano y en un parteaguas de la industria nacional. La historia que se cuenta ya todos la conocemos.

24. Miss Bala / Gerardo Naranjo / 2011

Para su último filme Gerardo Naranjo se aleja del godardiano tributo a la Nouvelle Vague que brindó en sus anteriores trabajos para aterrizar en un maduro realismo, se aleja del crecimiento puberto para enfocarse en la criminalidad y el narcotráfico. Su puesta en escena es directa, con un innegable manejo de la técnica (largas y complejas secuencias, solvencia en las escenas de acción, sorpresas a cada movimiento de la cámara) y presenta un lenguaje propio. La historia es sencilla pero no por esto simple: una bella joven desea con todas sus ganas ser la nueva Miss Baja California, en un desafortunado cúmulo de situaciones termina estando en el lugar incorrecto en el momento incorrecto y se involucra directamente con el crimen organizado, desgraciadamente ya no hay vuelta atrás. 

25. Amores Perros / Alejandro González Iñárritu / 2000

Tal vez la película mexicana mas exitosa e influencial de los últimos años, Amores Perros con su narrativa fragmentada (a la Tarantino o Kieslowski), su postmoderno mise en scène y su excelente banda sonora (mezcla de canciones populares que van del rock a la cumbia), es un referente mundial del cine nacional. Ganadora de decenas de premios se encargó de catapultar a la fama a su actor principal (Gael García Bernal), a su director y a su guionista (Guillermo Arriaga). Una visión cruda y realista de la vida en una ciudad cosmopolita (la Ciudad de México) desde la perspectiva de tres dispares personajes provenientes de distintas clases sociales. La culpa, la traición, el desengaño y la mentira nuca lucieron mejor, y mas aún en esta la ópera prima más importante del siglo XXI.

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a n i m o t i o n

A lo largo de la historia de la cinematografía y de manera paralela al desarrollo de la industria tradicional, se fué gestando un ser lúdico y curioso, que por méritos propios terminaría siendo un ente aparte, dividiría al cine en tres grandes áreas, revolucionaría técnicas y tecnologías (recordemos que el sonido y el color, por ejemplo, fueron explorados ampliamente antes de ser abrazados por la ficción y el documental) y cambiaría la forma de ver cine por siempre y para siempre. La animación ha probado ser una forma de expresión y experimentación visual y sensitiva, capaz de conmover a chicos y grandes y ser tan comercial o tan experimental como el creador lo requiera. 

Así, a continuación mis filmes favoritos de animación:

1. Stop Motion

The Curse of the Were-Rabbit / Nick Park / Inglaterra /  2005

De la mano de la prestigiada casa productora Aardman Animations llega el primer largometraje de la dupla de Wallace & Gromit, un excéntrico inventor y su inteligentísimo perro, que ya habian hecho los deleites del género en un sinfin de premiados cortometrajes. Aqui los ingleses de Aardman demuestran su talento con la plastilina y la arcilla, corroborando que son los actuales maestros de la animación stop motion. Cabe destacar que se convirtió en todo un éxito de crítica y público y fué acreedora al premio de la Academia a mejor filme animado.

Fetiche Mascotte / Wladyslaw Starewicz / Francia / 1933

El ruso Wladyslaw Starewicz fué uno de los pioneros del stop motion y se caracterizó no solamente por sus fluidas y creativas animaciones sino por utilizar insectos y animales en sus obras. Fetiche Mascotte es uno de sus trabajos mas conocidos y se ubica en su etapa francesa. En este filme encontramos a la mascota del título, un perro de juguete, que cobra vida y decide ir al mismísimo infierno para cumplir el deseo de una niña enferma. El resto tiene que ser visto para apreciarse.

Fantastic Mr. Fox / Wes Anderson / USA / 2010

Wes Anderson es uno de los cineastas independientes mas importantes de los últimos años. Sus filmes presentan excéntricos personajes con fuertes conflictos internos, incapacidad de convivencia y aislados de la sociedad. El outsider de Anderson aparece también en este su primer trabajo de animación pero ahora en la figura de un maduro zorro, descontento con su vida, en plena crisis de los cuarentas y en búsqueda de nuevas emociones. Basado en un cuento de Roald Dahl y asesorado por Henry Selick, el Fantastic Mr. Fox es una entretenida fábula que combina distintos tipos de animación, predominantemente el stop motion de figuras de arcilla con pelo real, en una historia de crecimiento personal que lo mismo entretiene a los niños pequeños que plantea inquietudes existenciales en los adultos.

The Nightmare Before Christmas / Henry Selick / USA / 1993

De la mente de Tim Burton (quien escribe, produce y supervisa) y de Henry Selick nos llega una oscura fábula sobre un más oscuro personaje llamado Jack, quien es el rey del pueblo de Halloween. Un buen día decide secuestrar al buenazo de Santa Claus y convertirse en el alma de las festividades navideñas. Con esta original premisa, un diseño de arte que recordaría al mas puro expresionismo alemán, y una serie de expresivos muñecos, la dupla Selick/Burton da vida a una de las mejores peliculas del género y a un clásico de culto para público de todas las edades.

2. Cut Out & Stop Motion

The Adventures of Prince Achmed / Lotte Reiniger / Alemania / 1926

El largometraje animado más antiguo del que se tengan copias existentes y poseedor de una de las más creativas técnicas de animación de las que tengamos memoria lleva el nombre de Die Abenteuer des Prinzen Achmed un lúdico e inolvidable trabajo de la animadora alemana Lotte Reiniger en la que se mezcla el stop motion primitivo con una técnica inventada por la propia Reiniger: cortar siluetas de personajes en cartón y animarlas a manera de sombras o siluetas, superponiéndolas a monocromáticos escenarios creando así un efecto emparentado con el expresionismo alemán tan en boga en esa época y abriendo el espectro a diversos efectos de cámara como la profundidad de campo.

3. Rotoscopia

Waking Life / Richard Linklater / USA / 2001

A Scanner Darkly / Richard Linklater / USA / 2006

Vocero por excelencia de la generación X y cineasta de culto gracias a sus primeros filmes: Slaker, Dazed and Confused y Before Sunrise, Richard Linklater decide en 2001 entrar a terrenos de la animación, pero de una forma poco común. Primero: no abandonaría sus temáticas existencialistas, filosóficas y sociales. Segundo: sus animaciones serían para adolescentes y adultos, alejánsose del cine infantil al que comúnmente se asocian estas producciones. Tercero: utilizaría la técnica de la rotoscopia,  grabando primero a actores con cámaras tradicionales y después trazando y añadiendo efectos computacionales sobre lo grabado previamente. Su primer trabajo en este estilo fué Waking Life, una poética obra, a manera de manifiesto de la generación X, que habla sobre existencialismo, filosofía y sueños. Para la segunda A Scanner Darkly, adapta una obra del reconocido Philip K. Dick, instalándose en el género del thriller sci-fi y dando cuenta de una futurista historia sobre la manipulación gubernamental, la paranoia de la sociedad, el uso y abuso de las drogas y el espionaje a manera de ubicuo big brother sobre los habitantes de las grandes urbes.

4. CGI

Ratatouille / Brad Bird / USA / 2007

Pixar se ha convertido en una palabra conocida por todos y un referente obligado de la animación por computadora (CGI). Sus diversas películas han ido in crescendo, siendo cada vez más maduras, emblemáticas, sorprendentes y divertidas. No podríamos hablar de su trayectoria sin nombrar joyas de la animación como el tríptico Toy Story, Monsters, Inc. o Finding Nemo, pero a mi gusto las que se llevan las palmas son Wall-e, Up y Ratatouille, siendo mi favorita esta última. Dirigida por el experimentado Brad Bird, quién ya había transitado exitosamente por los terrenos de la animación, el filme se presenta como una delicia visual y sensitiva, un tributo a los placeres sibaritas y a los gustos adquiridos, pero también al talento, la creatividad y la fraternidad, simplemente una obra maestra.

5. Animación Tradicional Norteamericana

The Iron Giant / Brad Bird / USA / 1999

Primer largometraje de Brad Bird, quien ya tenía experiencia en series animadas de televisión y videoclips, y producida por la Warnes Bros., The Iron Giant es una filme animado de aventuras y ciencia ficción que narra las aventuras de un chico solitario que encuentra a un gigantesco robot venido del espacio y sus esfuerzos por librarlo de las garras del ejercito norteamericano el cual quiere destruirlo, todo esto ambientado durante lo más álgido de la guerra fría en la década de los cincuenta. Además de poseer una historia de por sí atractiva, las decisiones estilísticas de Bird fueron lo que la convertiría en un clásico inmediato: animación 2D por computadora en formato CinemaScope, combinado con técnicas de animacion tradicional y el apoyo de un grupo de jóvenes estudiantes de la CalArts. El resultado: uno de los grandes filmes de culto del cine animado de todos los tiempos.

Pinocchio / Walt Disney Studios / USA / 1940

Fantasia / Walt Disney Studios / USA / 1940

Después del rotundo éxito de Snow White and the Seven Dwarfs, y la experiencia de una década produciendo más de setenta episodios llamados Silly Symphonies, The Walt Disney Company funda los Walt Disney Studios y entra de lleno a la producción de largometrajes. La elección para el tema de un segundo filme de los estudios sería obvia: adaptar algún popular cuento infantil dando el toque visual y musical que ya  se estaba convirtiendo en un sello de la compañía. El escogido sería Pinocchio basado en el tradicional cuento italiano de Carlo Collodi sobre un muñeco de madera que sueña con convertirse en un niño de verdad. El filme al momento de su estreno no fue el éxito que se esperaba, siendo un tanto oscuro, con personajes siniestros y presentando la maduración del personaje principal como accidentada y dolorosa. Un reestreno años después le daria la razón y el éxito merecido, siendo una de las mas queridas y galardonadas películas de la compañía. Ese mismo año producirían un capricho del mismo Disney llamado Fantasia. Un complejo filme animado estructurado en ocho segmentos animados, entramados por la musicalización de una orquesta tocando en vivo y en live action. Así reconocidas piezas clásicas de Bach, Tchaikovsky, Stravinsky o Beethoven cobran vida al sincronizarse perfectamente con diversas imagenes animadas y se presentan por primera vez en la historia en sonido estereofónico. Una vez más Disney se adelanta a su época, y lo que en su tiempo fuera el primer gran fracaso de los estudios con el tiempo se convertiría en una obra maestra.

5. Animación Tradicional Asiática

Spirited Away / Hayao Miyazaki / Japón / 2001

Con casi media década de experiencia trabajando en animación, no se puede hablar de animación japonesa sin hablar de Hayao Miyazaki. Cofundador de los afamados Studio Ghibli en 1985 y creador de emblemáticos en influenciales filmes como My Neighbor Totoro, Princess Mononoke o Howl’s Moving Castle, Miyazaki ha forjado un estilo único y característico basado en la animación tradicional, con toques de imagenes generadas por computadora para dar en sus propias palabras “un toque de elegancia”, utilizando ágiles personajes con movimientos humanizados, escenarios coloridos, personajes oníricos, temáticas humanistas, progresistas, ecologistas, feministas y que peculiarmente carecen de un villano antagónico. En Spirited Away, tal vez su trabajo más redondo, nos presenta la historia de Chihiro una niña de diez años que se trasporta a una realidad alterna para buscar retirar el embrujo que ha convertido a sus padres en cerdos. Miyazaki nos lleva de la mano a un mundo maravilloso para experimentar el paso a la madurez de Chihiro. No por nada es la película más exitosa en la historia de Japón.

Akira / Katsuhiro Otomo / Japón / 1988

Dirigida por el japonés Katsuhiro Otomo y basada en un manga también de su autoría, Akira es un filme animado de ciencia ficción, de estilo y temática cyberpunk, que rompió los cánones del género y revitalizó los mangas animados. Su peculiar estilo gráfico presenta detallados escenarios, sincronización perfecta del sonido y los diálogos con los personajes, movimientos superfluídos (el filme se compone de más de 160,000 cuadros) y escenas gráficas e hiperviolentas. En cuanto a temática expone temas filosóficos y psicológicos como la corrupción, la ambición y el difícil paso de la niñez a la edad adulta, temas económicos, critica al holocausto nuclear, revoluciones sociales y el rol de la juventud en la sociedad.

Grave of the Fireflies / Isao Takahata / Japón / 1988

Ambientada a finales de la segunda guerra mundial, y partiendo de una novela semi-autobiográfica de  Akiyuki Nosaka, Grave of the Fireflies fué el segundo largometraje de los estudios Ghibli y el primero en no estar bajo la batuta de Miyazaki. El filme se aleja del estilo tan característico de la marca, no contando con personajes fantasiosos o situaciones oníricas y narrando un hecho, tan trágico como real, de una forma que le debe más al neorrealismo italiano que al manga japonés. Aquí se narra la historia de dos hermanos, huérfanos gracias a la guerra, que deciden valerse por si mismos, aislándose de los horrores y tratando de vivir en un mundo de fantasía, pero aquí no hay lugar para los finales felices, los milagros o las sonrisas. La película es trágica, demoledora y desesperanzadora pero humana, entrañable, tierna e inolvidable al mismo tiempo. 

6. Animación Tradicional Europea

La Planète Sauvage / René Laloux / Francia / 1973

Inquietante, violento y surrealista, dirigido por René Laloux y con dibujos y diseño de arte de Roland Topor, La Planète Sauvage se presenta como un filme poco convencional. A pesar de su bajo presupuesto y de las ya muy comentadas dificultades que encontró para su finalizacion y comercialización, se ha convertido en un referente obligado del cine de animación de los setenta y del cine de ciencia ficción de todos los tiempos. En esta historia todo tiene cabida: la ciencia y la superstición, la violencia y la paz o la esclavitud y la libertad. Como si se tratara de una bizarra pesadilla Laloux explora conflictos políticos y sociales muy propios de su época, y su peculiar estilo gráfico y narrativo le valdrían el Grand Prix del Festival de Cannes en 1973.

Allegro non Troppo / Bruno Bozzetto / Italia / 1976

En 1976, el animador italiano Bruno Bozzetto, famoso por sus trabajos satíricos, políticos y sexosos decide realizar un largometraje estructurado por episodios independientes, sincronizados con conocidas piezas clásicas de fondo,  e intercalados por escenas de la orquesta tocando e improvisando en live action y blanco y negro. En papel suena como un remake de Fantasia (Walt Disney Studios, 1940) pero en la práctica es una creatura diferente. El mismo Bozzetto declaró que el haber visto el clásico filme de Disney lo conmovio hasta las lágrimas, por lo que la influencia e inspiración son más que obvias. En este caso los alcances son más modestos al igual que la producción (y el presupuesto): Seis episodios animados que van de la comedia erótica a la tragedia de alturas griegas al son de Vivaldi, Debussy, Dvořák, Stravinsky, Sibelius y Ravel.

Les Triplettes de Belleville / Sylvain Chomet / Francia / 2003

L’Illusionniste / Sylvain Chomet / Francia / 2010

Con una destacada trayectoria como dibujante y editor de comics, Chomet decide entrar al mundo de la animación a finales de los noventa con un creativo y entretenido corto La Vieille Dame et les pigeons que prefiguraba su peculiar estilo visual y narrativo. Sería hasta 2003 con su primer largometraje Les Triplettes de Belleville, cuando el mundo conocería su obra y los premios empezaran a llegar en carretonadas. El porqué es simple, un sofisticado estilo gráfico, reminiscencia del art nouveau de principios del siglo XX, mezclado con el glamour de los veintes y tintes del humor de comediantes clásicos franceses con Jacques Tati. Una musicalización de atmósferas jazzeras, muy al estilo de la época, redondeaba la historia, mezclando en lo técnico a la animación tradicional con toques digitales y una paleta de colores muy característicos. No hay que menospreciar la historia: una peculiar anciana decide emprender la aventura de rescatar a su nieto, un campeón del tour de france, de manos de una bola de mafiosos con la ayuda de las cantantes del título y un obeso can. Para su siguiente largo, Chomet retoma un guión inédito de Tati y le dá vida propia, consolidando su estilo y de pasada rindiendo tributo a uno de sus ídolos.

7. Live Action & Stop Motion

Jason and the Argonauts / Don Chaffey / UK / 1963

Lo que en un principio sería una película más de clase B con temática mitológica se convertiría, en las manos adecuadas, en un clásico del género y tal vez en la mejor obra de fantasía que mezcle live action con stop motion de la historia (después de la celebre King Kong). La clave aquí tiene nombre y apellido: Ray Harryhausen. El experimentado animador ya había creado importantes obras como Mighty Joe Young  o The 7th Voyage of Sinbad, pero lo mejor estaba aún por llegar. Citada como gran influencia por destacados cineastas de la talla de Terry Gilliam o Tim Burton, Jason and the Argonauts narra las épicas aventuras del héroe y al embarcación del título en su búsqueda por el célebre vellocino de oro para así poder derrocar al tirano Pelías. Creaturas como Talos, las arpías o la Hidra de Siete Cabezas son difíles de olvidar por su realismo y excelente manufactura, pero los esqueletos animados son los que se llevan las palmas.

Institute Benjamenta / Brothers Quay / Alemania & UK / 1996

También conocida como This Dream People Call Human Life y editada en 1996, la ópera prima de los Brothers Quay (un par de gemelos idénticos norteamericanos famosos por sus animaciones en stop motion y sus peculiares temáticas y lenguajes visuales) no deja de sorprender. En él se combinan eficazmente dispares influencias que van del esoterismo, la literatura surrealista y la filosofía en sus historias, al expresionismo alemán y los trabajos de animadores como Jan Švankmajer y  Wladyslaw Starewicz en sus visuales. El filme cuenta de forma surreal y onírica la historia de un instituto especializado en capacitar personas para la servidumbre. Mediante diversos simbolismos (que establecen nexos con el Eraserhead de David Lynch o el cine mudo expresionista), la escasez y simplicidad de diálogos y un fuerte contraste en el blanco y negro de sus imagenes, el Institute Benjamenta está mas interesado en crear atmósferas que en contar historias.

Alice / Jan Švankmajer / República Checa / 1988

Tal vez el más reconocido animador de stop motion hoy en día, creador de un estilo muy particular que lo mismo transita de la más corrosiva crítica social al más puro surrealismo, Jan Švankmajer se ha valido de modelos en plastilina y arcillas, animales disecados, muñecos,  seres humanos y prácticamente cualquier objeto existente para realizar sus complejas y fluidas animaciones en las que tiene cabida desde el Alice’s Adventures in Wonderland de Lewis Carroll o el Faust de Goethe hasta cuentos de Edgar Allan Poe y Franz Kafka. En este su primer largometraje (después de decenas de geniales cortometrajes entre los que destaca el Dimensions of Dialogue de 1982) juega con los recursos narrativos (el cuento sale de los labios de la misma Alice en close-up), experimenta con la interacción entre seres humanos (Alice) y los demás personajes animados (pesadillescos híbridos de animales y objetos), utiliza sonidos exagerados (evitando el uso de banda sonora), y se encarga de crear una historia oscura y surreal, muy alejada del otras versiones de la historia, que sorprende e inquieta.

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R O N I N

Carlos Reygadas / Japón / México / 2002

El cine mexicano contemporáneo ha tenido un repunte desde hace apróximadamente dos décadas, después de haber estado sumido en una penosa y lastimera racha. Así, se etiquetó primero como el “nuevo cine mexicano” del cuál  surgieron películas en su mayoría de carácter nacionalista, de estética realista en lo formal (de realidad nacional eso sí, mucho mejor si mostraban con sórdidez los detalles de ésta) que buscaban retomar este cine de autor, que para ser sinceros ya tenía décadas de haber muerto en México. Cineastas como Jorge FonsArturo Ripstein o Jaime Humberto Hermosillo realizaron películas que poco a poco empezaron a meter a nuestro país en la jugada festivalera internacional. Ya para finales del siglo pasado y reposando en sus supuestas glorias, nuestro cine necesitaba una reinvención que llegaría de la mano de Alejandro González Iñárritu y sus Amores Perros, película que se podría considerar el inicio del cine posmoderno mexicano (si es válido utilizar este término) que contaba con una puesta en escena espectacular, una banda sonora populachera y una estética que le debía más a los filmes pulp de Tarantino que a las propuestas de bajo presupuesto (y en algunos casos de baja calidad técnica) de sus paisanos. De esta forma Iñárritu logró poner a México en el panorama mundial y junto con otro par de eficaces directores, Alfonso Cuarón y Guillermo del Toro, se convirtieron en celebridades y hasta fueron apodados (de forma también muy turística, por que no) los “tres amigos”. Dentro de este resurgimiento del cine mexicano apareció por allá del 2002 una película que pasó sin pena ni gloria por la cartelera local, dirigida por un jóven desconocido, que contaba con una modesta producción pero en cambio no modestas intenciones. Japón del debutante Carlos Reygadas (México 1972) fué un filme diferente, no solamente a la producción nacional de ese año sino a lo que se había producido hasta ese entonces en nuestro país. Contemplativa, con largos planos fijos, colores deslavados e iluminación natural, y una ecléctica pero elegante banda sonora (desde Johann Sebastian Bach hasta Arvo Pärt) el trabajo de Reygadas era todo menos convencional. De repente nos recordaba a Andrei Tarkovski, con este lirismo visual que tocaba lo espiritual, de repente a Robert Bresson en su puesta en escena, sus encuadres, su meditativa pasividad, sus secretos, por allá también a Bruno Dumont, gran heredero de la tradicion bressoniana que aunque siendo contemporáneo de Reygadas, comparte no pocas similitudes tanto estilísticas como temáticas.

Todo inicia con la dolorosa (incluso en su paso) travesía de un hombre hasta su muerte. Nunca sabemos el porque de esta búsqueda por el idóneo lugar para matarse, ni siquiera se nos ofrecen pistas o rememberaciones de su pasado. Aludiendo a la tradición nipona (cuando el samurai, consagrado en cuerpo y alma al servicio del amo, sufre la pérdida de este, queda sin razón alguna para existir y se convierte en un ronin, un ente errante que tránsita de un lado a otro hasta que encuentra su fin) y con un grupo de actores amateursReygadas se da a la tarea de documentar este viaje, que más que a la muerte se dirige a la vida y más que a la perdición a la salvación. El filme se convierte en un pretexto para la reflexión, la meditación; que apoyándose en una geométrica horizontalidad (impactantes tomas abiertas de 360° que parecen no dejar nada oculto) despliega una aventura existencial que culmina de forma imposible y por que no demencial, en un complejísmo plano secuencia que da cuenta del poético final de la historia.