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m i e d o

El género de terror/horror es uno de los más recurrentes y revisitados en la historia del cine. Al tratarse de un sentimiento inherente al ser humano, de carácter mórbido, y generador de un sinfin de posibilidades en sus lecturas, implicaciones e interpretaciones ha sido visitado lo mismo por cineastas serios (Bergman, Kubrick, Coppola), experimentales (Warhol, Morrissey, Anger), vanguardistas (Żuławski, Von Trier, De Palma) o clásicos (Dreyer, Murnau, Browning). A continuación cincuenta filmes capaces de quitar el sueño, generar pesadillas y mantenernos al borde de la butaca.

1. Häxan / Benjamin Christensen / Suecia & Dinamarca / 1922 

2. Nosferatu, Eine Symphonie des Grauens / F.W. Murnau / Alemania / 1922

 3. Vampyr / Carl Theodor Dreyer / Alemania / 1932

Desde los albores del cine, plena etapa silente, surge la inquietud por crear obras que provoquen sentimientos de miedo, repugnancia o disgusto mediante la expresividad de las imágenes y las posibilidades técnicas que brindaba el cinematógrafo. Así, obras como Der Golem (Paul Wegener, 1920) o Frankenstein (J. Searle Dawley, 1910) se convirtieron en referentes del género y sentaron pautas estilísticas y narrativas. En 1922 se realizan dos de las mejores obras de la época: Häxan, cinta nórdica que mezcla documental con secuencias actuadas, resultando incómoda y terrorífica al mostrar polémicos puntos de vista sobre la brujería, las enfermedades mentales, el satanismo y las  perversiones sexuales; y Nosferatu, una de las obras cumbres del expresionismo alemán en la cual el arte se encuentra con la imagen en movimiento y se presenta por vez primera en celuloide la novela de Bram Stoker, sobre un aterrador vampiro que lleva muerte y enfermedad por doquier. Para 1932, Dreyer revisita la historia de los vampiros, ahora en la forma de una anciana mujer, y pone su interés en la creación de atmósferas, desorientadores efectos visuales y factores psicológicos dejando a un lado el desarrollo de la historia o el peso de las actuaciones.

4. Dracula / Tod Browning / USA / 1931 

5. Freaks / Tod Browning / USA / 1932

 6. Island of Lost Souls / Erle C. Kenton / USA / 1932

7. The Wolf Man / George Waggner / USA / 1941

Con la llegada del sonido y la consolidación de Hollywood como la industria cinematográfica más importante (por lo menos en números y volumen de producción) del mundo, el desarrollo y florecimiento de un género atractivo y aterrador resultaba prometedor. Universal Studios toma la batuta y se convierte en el primer proveedor de cine fantástico, creando durante cuatro décadas decenas de filmes sobre seres aterradores y situaciones espeluznantes. De entre los mejores trabajos podemos citar The Hunchback of Notre Dame (Wallace Worsley, 1923), The Phantom of the Opera (Rupert Julian, 1925) y Creature from the Black Lagoon (Jack Arnold, 1954), esta última célebre por sus impresionantes secuencias bajo el agua. De este periodo las más destacables fueron Dracula y The Wolf Man. La primera rescata de nuevo el clásico de Stoker, pero ahora presentando un vampiro seductor y glamoroso (Bela Lugosi) alejado de las creaturas repugnantes del cine de la época y convirtiéndolo en el villano por excelencia. La segunda impactó por su adaptación de una leyenda popular y principalmente por la excelente actuación de Lon Chaney Jr. sumada al impresionante trabajo de maquillaje. Freaks, también de Browning fué realizado para la MGM y resultó tan polémico e incómodo que sepultó la carrera del director y generó que el filme fuera mutilado varias veces. La causa: la decisión de utilizar personajes con discapacidades y defectos físicos en lugar de maquillaje y el presentar como villanos a los únicos seres “normales” de la cinta. Algo similar sucedió con la cinta de Kenton, que al mostrar experimentos con seres humanos y la humanización de los monstruos tocó fibras sensibles y causó malestar. Fracasos en su estreno el tiempo les daría la razón convirtiéndolos en aterradores filmes de culto.

8. Gojira / Ishirô Honda / Japón / 1954

9. Kwaidan / Masaki Kobayashi / Japón / 1964

10. Kuroneko / Kaneto Shindo / Japón / 1968

11. Onibaba / Kaneto Shindo / Japón / 1964

Imposible hablar del cine de horror sin referirnos a Japón. La cultura nipona rica en simbolismo y tradiciones ha sido una de las más influenciales en el tema, al prácticamente reinventar el género, mediante el desarrollo de cintas basadas en el horror psicológico, el suspenso y los fantasmas, a menudo escondiendo de la lente más de lo que muestran (generando una participación activa del espectador y aludiendo a los sentimientos psicoafectivos del mismo) y presentando temáticas recurrentes del folclor asiático como posesiones, exorcismos y presencias sobrenaturales. Mención aparte merece Gojira (Godzilla en su americanización) que es una apología del horror nuclear, y del dolor generado por los bombardeos de la segunda guerra mundial. Su estilo visual y la creación del monstruo del título le valdrían decenas de secuelas, parodias y homenajes que perduran hasta la fecha. Kwaidan (historia de fantastamas) recopila cuatro terroríficas historias del folklore japonés influenciando fuertemente al llamado j-horror (cine de horror japonés). Kaneto Shindo, uno de los mejores y mas prolíficos directores de la época, trasladó exitosamente las leyendas populares a la pantalla grande en inquietantes obras maestras como Onibaba (sobre una diabólica máscara y dos mujeres que asesinan soldados en el siglo XIV) y Kuroneko (sobre espíritus femeninos que regresan de ultratumba para vengarse).

12. Les Diaboliques / Henri-Georges Clouzot / Francia / 1955

13. Yeux Sans Visage / Georges Franju / Francia / 1959

Francia no podría ser la excepción y para la década de los cincuenta nos brinda dos obras maestras del género. Clouzot, apodado el Hitchcock francés, realiza Les Diaboliques, thriller de horror psicológico que serviría de inspiración a Robert Bloch para la elaboración del guión de Psycho. Considerada actualmente como una de las 25 mejores películas de terror de todos los tiempos, narra una espeluznante historia de engaños, traición, crimen y muerte, aderezada con tintes sobrenaturales, sobre dos mujeres que se unen para dar su merecido a un abusador. Por su parte, mezclando film noir con expresionismo alemán y tintes de filmes serie b, la obra de Franju causó malestar, controversia e incluso disgusto desde su estreno. La cinta, influencia del cine gore de los setentas y homenajeada en filmes como Face/Off (John Woo, 1997) o La Piel Que Habito (Pedro Almodóvar, 2011), cuenta la sádica historia de un científico loco obsesionado con devolver a su hija su antiguo rostro por medio de secuestrar y mutilar jóvenes víctimas.

14. The Night of the Hunter / Charles Laughton / USA / 1955

Obra cumbre de la cinematografia norteamericana y citada como influencia por importantes directores como David LynchMartin ScorseseTerrence MalickJim Jarmusch y los hermanos Coen, retrata en una estética expresionista y poética, la clásica lucha entre el bien y el mal: un encantador y parlanchín reverendo que resulta ser un cruel asesino serial busca conquistar y casarse con una viuda, heredera de una pequeña fortuna, para lo cual tendrá que asesinar a la inocente víctima en cuestión y a sus dos pequeños hijos. La ópera prima (y desgraciadamente único filme como director) de Charles Laughton es una obra inspirada en la literatura gótica del sur de los Estados Unidos, fotografiada a manera de pesadilla (sombras exageradas, perspectivas distorsionadas, inusuales ángulos de cámara y permanente aire surrealista) y con una magnífica e inolvidable actuación de Robert Mitchum (el reverendo Harry Powell con las palabras “love” y “hate” tatuadas en sus nudillos).

15. Psycho / Alfred Hitchcock / USA / 1960

Prácticamente hay un antes y un después de Psycho. Uno de los grandes parteaguas del género, producida y dirigida por el mismísimo maestro del suspenso, la obra tenia todos los elementos característicos del trabajo del inglés (un mcguffin generador e impulsor de situaciones, una dama en peligro, una trama plagada de intrigas y traiciones, una investigación que nos lleva de la mano a develar los hechos) más una serie de innovaciones que se convertirían en lugar común del género (ingeniosa vuelta de tuerca al final, delirios y personalidades dobles, esquizofrenia, psicoanálisis, soundtrack manipulador de emociones).

16. Carnival of Souls / Herk Harvey / USA / 1962

17. Night of the Living Dead / George Romero / USA / 1968

Con la creciente aparición de superproducciones y los altos costos de la industria (así como la censura y consecuentes limitaciones creativas) se empezó a popularizar un tipo de filmes de bajo presupuesto, llamados serie b. Estos filmes surgieron no como una forma de hacer cine de arte o pornografía sino como un acompañamiento menos costo para una cinta importante en las populares funciones dobles de la época de los cincuentas. Poco a poco el estilo se convirtió en un semillero de interesantes y arriesgadas propuestas que se alimentarían de los movimientos de contracultura y el clima político que se vivía. Ninguneada en su estreno pero convertida en filme de culto con los años Carnival of Souls es una terrorífica historia sobre apariciones, muerte y fantasmas. Utilizando las atmósferas y la ambientación por sobre los efectos especiales, crea un clima perturbador que perdura toda la película. David Lynch y George Romero son declarados fanáticos de la obra. Este último curiosamente, y fuertemente influenciado por la cinta de Harvey, rueda Night of the Living Dead, precursora del cine de zombies (considerado incluso un subgénero), que combina eficazmente horror y suspenso con una ácida y mordaz crítica social.

18. Black Sabbath (I Tre Volti Della Aura) / Mario Bava / Italia / 1963

19. Suspiria / Dario Argento / Italia / 1977

Aprovechando la fama y atención que le atrajo el spaguetti western, Italia empezó a maquilar y popularizar un singular subgénero del horror llamado giallo, caracterizado por ser una extraña mezcla de cine de suspenso, film noir, erotismo y surrealismo. La paternidad del giallo se le atribuye a Mario Bava, prolífico y capaz director, que filmara más de una veintena de cintas de horror. Entre los principales exponentes ponemos mencionar a Lucio Fulci, Umberto Lenzi y el mismísimo maestro del horror italiano Dario Argento. Black Sabbath es una impecable colección de aterradores relatos sobre crimen, tortura, muertos vivientes y vampiros. Suspiria, por su parte, es una obra maestra de la estética. Sus brillantes colores, cuidados y surrealistas sets, y peculiar banda sonora (aunado a una historia de brujería), la convirtieron en la obra más importante de su director y en el filme italiano más reconocido del género.

20. Repulsion / Roman Polanski / Inglaterra / 1965

21. Rosemary’s Baby / Roman Polanski / USA / 1968

El segundo largometraje de Polanski, y primero filmado en idioma inglés, lo consagró como un hábil narrador de historias, con un especial énfasis en la creación de atmósferas y creciente tensión temporal. Tomando como punto de partida la perspectiva de la protagonista nos va llevando por una espiral de locura y demencia, donde no sabemos hasta que punto es real lo que estamos viendo (fuerte influencia del cine surrealista). El  enemigo aquí es el personaje mismo, lo cual es más perturbador y desconcertante, situando toda la historia en un claustrofóbico entorno (el filme transcurre prácticamente en interiores, específicamente un departamento). El segundo en esta “trilogía de apartamento” es uno de sus filmes más famosos, polémicos y rodeado de leyendas: Rosemary’s Baby. Aquí el director se traslada por vez primera a Hollywood, ambientando la acción en la ciudad de Nueva York, pleno edificio Dakota. La historia da cuenta de los aterradores sucesos que acontecen a una mujer embarazada quien empieza a sospechar que su esposo tiene un demoniaco pacto con los vecinos, y que su hijo podría ser un engendro diabólico. El filme fué un éxito desde el primer momento y se convertiría en una de las películas mas inquietantes de todos los tiempos.

22. Hour of the Wolf (Vargtimmen) / Ingmar Bergman / Suecia / 1968

Ingmar Bergman ya tenía una carrera prolífica y consolidada, habiendo transitado por estilos tan diversos como la comedia, el drama metafísico, filmes de época, o incluso el horror gótico (The Virgin Spring, 1960), cuando decide filmar Hour of the Wolf, un aterrador y extraño filme sobre las pesadillas y alucinaciones de un artista, que es acompañado en todo momento por su esposa, quién a pesar de mostrarse crecientemente alterada por los sueños y pensamientos de su cónyuge, lo cuida en todo momento. Bergman escoge el lapso nocturno entre la medianoche y el amanecer (“donde surgen los demonios y las pesadillas pero también nacen mas bebés”) para nombrar su obra, y utiliza como pretexto la creciente locura (o supuesta locura) del protagonista (y su relación con su vecino, un demoniaco y depravado conde que habita en un castillo) para filmar algunos de los momentos más inquietantes en la historia de su cinematografía.

23. Don’t Look Now / Nicolas Roeg / Inglaterra / 1973

El estilo del inglés Nicolas Roeg es inconfundible: edición rápida, brusca y esquizofrénica, música clásica y orquestal con tintes avant garde mezclada con efectos especiales de sonido, narración no lineal, montaje desorientador (flashbacks, flashfowards, sueños, alucinaciones, situaciones desde varios puntos de vista) y permeados de una sexualidad latente. Su segundo filme Don’t Look Now es un thriller con tintes sobrenaturales, disfrazado de horror gótico, sobre el dolor de una pérdida y la forma en que lo sobrelleva una joven pareja. La cinta plagada de imaginería, simbolismos y guiños al ocultismo, juega con temas como la psicología, la identidad, o la muerte, trasladando la acción a una laberíntica Venecia, y resultando polémica desde su estreno por su aterradora manufactura, su desconcertante montaje y sus explícitas escenas sexuales. La cereza en el pastel: está considerada entre las diez mejores películas inglesas de todos los tiempos.

24. The Exorcist / William Friedkin / USA / 1973

Considerado el filme más aterrador en la historia, ganador de premios de la crítica y reconocimiento del público en general, The Exorcist es no solamente la obra que catapultó a la fama al talentoso Friedkin sino un referente obligado en el cine mundial. La cinta basada en un exorcismo real, aprovecha una temática muy popular en la década de los setenta (profecías, satanismo, demonios, exorcismo, posesiones, lucha del bien y el mal desde el punto de vista religioso) y la lleva a sus últimas consecuencias: una pequeña chica de 12 años es poseída por un demonio milenario, después de consultar doctores y psicólogos que no encuentran nada raro, la madre recurre a dos sacerdotes católicos, quienes tendrán un encarnizado combate con las fuerzas del mal. Desde la iluminación, la atmósfera, los claustrofóbicos escenarios, el maquillaje y las músicas de Mike Oldfield el filme es espeluznante, y las historias referentes a lo que sucedía dentro y fuera del set solamente alimentaron la leyenda.

25. Alucarda, La Hija de las Tinieblas / Juan López Moctezuma / México / 1978

26. La Invención de Cronos / Guillermo del Toro / México / 1993

El cine mexicano no podía ser la excepción. Desde la década de los treinta, plena Época de Oro del Cine Mexicano, directores como Juan Bustillo Oro o Chano Urueta grabaron terroríficas historias basadas en leyendas y tradiciones mexicanas como la Llorona, ahorcados o aparecidos. Para 1957 Fernando Méndez rueda una de las obras cumbre de la época, El Vampiro, primera película sobre las nocturnas criaturas, en la cual presentaba a un maléfico conde similar al de Browning. En la década de los setenta sobresalieron los trabajos de Carlos Enrique Taboada, Arturo Ripstein y principalmente Juan López Moctezuma. Este último, amigo y colaborador de Jodorowsky, realiza en el 78 Alucarda, filme enteramente en inglés, comparado por su temática e imágenes grotescas y sacrílegas a otro filme de culto, The Devils (Ken Russell, 1971). La polémica cinta, ambientada en un convento, narra la posesión diabólica que sufren dos jóvenes  en una historia plagada de asesinatos, demonios, orgías, lesbianismo y sangre, mucha sangre. Después de un largo letargo en el cual el genero del horror fue prácticamente ignorado, un talentoso joven lo utiliza como pretexto para la realización de su debut cinematográfico: La Invención de Cronos, un ingenioso y bien manufacturado filme que toca temas como la vejez, la búsqueda de la eterna juventud y la inmortalidad, el vampirismo, y la antropofagia. En fin un clásico inmediato del género y un parteaguas en la historia de los filmes de horror en México.

27. Lèvres de Sang / Jean Rollin / Francia / 1975

Curtido entre los filmes de bajo presupuesto y el cine porno/soft porn, Jean Rollin siempre se mantuvo al margen del éxito comercial y de la mirada aguda de la crítica. La mayor parte (y más interesante) de su obra se enfocó al cine de horror sobrenatural, con características y matices que lo harían único en la historia: ambientaciones etéreas y surrealistas, imaginería gótica, gore, fuerte carga erótica/sexual y la sensación de que todo transcurre dentro de un sueño. Lèvres de Sang (Lips of Blood) es una de sus películas más personales, más desarrolladas y más obsesivas: amores perdidos, infancia, nostalgia, cinematografía, vampirismo, lesbianismo e incesto. 

28. Carrie / Brian De Palma / USA / 1976

Quien mejor para filmar un perturbador thriller psicológico que De Palma. Uno de los mejores artesanos norteamericanos de los setenta, equilibra el despliegue técnico con la profundidad narrativa. Carrie narra la historia de una introvertida joven víctima de bullying y acoso en su escuela. La situación se va tornando insoportable para la inestable adolescente, aunada a la tensión generada por una sobreprotectora madre y a unos extraños poderes telequinéticos que surgen cuando se llena de stress o ira. Importante desde su estreno, es objeto de culto y decenas de tributos y remakes. 

29. The Texas Chain Saw Massacre / Tobe Hopper / USA / 1974

30. Halloween / John Carpenter / USA / 1978

31. The Thing / John Carpenter / USA / 1982

Con la proliferación de los filmes serie b, la cinematografía amplió sus horizontes y posibilidades, surgiendo corrientes como el underground, el cine independiente, el grindhouse, el cine de contracultura, el cinema verité; y subgéneros como el slasher, gore, splatter, road movies, heist movies, mockumentary, soft porn, toda las clases de explotiation y muchos más. Dentro de los entusiastas del terror/horror, destacaron cineastas como Tobe Hopper (que haría carrera en el cine del género) y John Carpenter (quien a pesar de haber recorrido varios géneros es mejor recordado por sus incursiones en la fantasía, el suspenso y el horror). The Texas Chain Saw Massacre es el slasher por excelencia, sentando las generalidades utilizadas actualmente: villano/psicópata enmascarado (Leatherface) que utiliza herramientas para asesinar, persecuciones, ambientación en casas abandonadas, sótanos o bosques, jóvenes indefensos, misoginia, sexualidad, y toques burdos, absurdos, incluso de humor. Con Halloween, Carpenter traslada el horror a la ciudad de la mano de otro personaje clásico (Michael Myers), el cual después de haber asesinado a su hermana y ser recluido en un hospital psiquiátrico, escapa para atemorizar los suburbios durante la popular celebración que da nombre al filme. Convertida en una exitosa franquicia, los horrores del sádico y misógino Myers han dado para una decena de cintas y aterrorizado por décadas a millones de espectadores. Para la década de los ochenta Carpenter se mueve al terreno de la fantasía/ciencia ficción/horror y cuenta la historia de un parásito proveniente del espacio exterior que tiene la cualidad de imitar y adoptar la forma de otros seres vivos, infiltrándose en una estación científica en la Antártida (de nuevo el lugar alejado y aislado como fuente de temor y paranoia) creando caos e histeria.

32. The Brood / David Cronemberg / Canada / 1979

Mención aparte merece el canadiense David Cronemberg, precursor (y promotor) del horror corporal (mutaciones, mutilaciones, deformaciones, prostéticos, erotismo, fetichismo), es uno de los más originales y talentosos directores de su generación. Con verdaderas obras maestras en su filmografía su estilo pasó principalmente por tres etapas: la primera que incluye filmes sobre modificaciones corporales que devienen en caos social (Shivers, 1975; Rabid, 1977), una segunda centrada en el caos psicológico del personaje principal con resultados mas personales e intimistas (Scanners, 1980; Videodrome, 1983), y una tercera sobre mutaciones y deformaciones autoinflingidas siendo el protagonista el que sufre los cambios físicos (The Fly, 1986; Dead Ringers, 1988 o Crash, 1996). The Brood pertenece a la segunda etapa, narrando una serie de escalofriantes asesinatos, al parecer perpetrados por niños, y la macabra relación que guardan con una desquiciada mujer que lucha por la custodia de su hija.

33. House (Hausu) / Nobuhiko Obayashi / Japon / 1977

Tal vez el filme mas desquiciado, bizarro, surreal y extraño que he visto en toda mi vida, Hausu es prácticamente indescriptible e indescifrable. Considerada por la crítica como un híbrido de Scooby-Doo y los filmes Giallo de Mario Bava, o como una psicodélica y psicotrópica fábula de fantasmas, sus 88 minutos de duración sirven para bombardearnos intensamente con todo tipo de imágenes y situaciones inimaginables: una casa embrujada que literalmente va devorando a unas adolescentes que la visitan, un piano caníbal, una cabeza voladora, un espejo embrujado, posesiones diabólicas, trampas sobrenaturales, un gato fantasma y un colchón asesino, además hay tiempo para un musical y para una climática inundación. 

34. The Evil Dead / Sami Raimi / USA / 1981

35. Braindead / Peter Jackson / Nueva Zelanda / 1992

Dos directores “serios” y reconocidos en la actualidad que hicieron sus pininos realizando obras experimentales y bizarras en sus años mozos. Ambos se caracterizaron por filmar cintas de bajo presupuesto más preocupados en las posibilidades técnicas y creativas que en manufacturar filmes impecables y exitosos. Raimi se vale de la historia de los amigos que llegan a una cabaña en medio del bosque y son atormentados por malignos demonios para renovar los convencionalismos del género e introducir un negro y ácido humor que, según el director, esta inspirado en The Three Stooges. Técnicamente utiliza un peculiar Mise-en-scène aderezado de caprichosos ángulos de cámara y planos holandeses. La cinta generaría dos secuelas y se convertiría en una de los filmes mas importantes de la época al lado de The Exorcist y The Omen (Richard Donner, 1976). Por su parte Jackson tiene la paternidad de Braindead, considerada una de las cintas más sangrientas en la historia y categorizada como filme de horror/zombie/gore. Experimental y desenfadada, narra en tono de mordaz comedia slapstick, la historia de Lionel y su posesiva madre, y como esta última, al ser mordida por una extraña y exótica “rata-mono de Sumatra”, se convierte en un temible zombie que contagia a medio pueblo siendo la única salvación el introvertido joven, complejo de Edipo incluído. 

36. Alien / Ridley Scott / USA / 1979

Con la llegada de la tecnología, los satélites y los viajes espaciales, el género de ciencia ficción tuvo un auge lógico. Con la exploración espacial también llegan los miedos a lo desconocido y la paranoia, situación que explota hábilmente el buen artesano Scott, quien sacaría jugo a la premisa de una agresiva y violenta creatura que va aniquilando a todos los tripulantes de una nave espacial, al mezclar el sci-fi con el suspenso y el horror. El filme convertiría al inglés en un ícono de las grandes superproducciones hollywoodenses y sería el inicio de una fructífera franquicia.

37. The Shining / Stanley Kubrick / USA / 1980

Kubrick, considerado uno de los grandes directores de todos los tiempos, maestro de la técnica, la precisión y la creación de meticulosos y perfeccionistas filmes, incursiona por vez primera en el terror psicológico ya siendo un maduro y reconocido autor. El resultado es The Shining, tal vez la mejor cinta del género y una obra maestra por donde se le vea. Desde su primera escena (una toma aérea del trayecto de un automóvil por diversos y aislados caminos, con cantos gregorianos de fondo) ya esboza los temas a discurrir: aislamiento, paranoia y una permanente sensación de desasosiego. Una familia se muda a cuidar de un hotel cerrado por las nevadas y la temporada navideña, la soledad, el ocio y el aislamiento cobran factura y presenciamos la espiral de locura del padre (un aterrador Jack Nicholson) que pasa de ser un hombre común a un psicópata desquiciado. Pesadillas, alucinaciones y apariciones escabrosas incluídas.

38. Possession / Andrzej Żuławski / Francia / 1981

Andrzej Żuławski es un cineasta poco común. Sus obras no son del gusto de su natal Polonia (de hecho es un exiliado de su país), y sus intereses se alejan diametralmente de los cánones y establecimientos del cine comercial, pero su corta filmografía lo ha convertido en un oscuro objeto de culto. Para su cuarto filme (y segundo fuera de su país) escoge un escabroso tema que él mismo confiesa tiene tintes autobiográficos: el matrimonio y la imposibilidad de los seres para ser felices dentro de él. La posesión del título alude, no a una demoniaca situación como en las cintas de sus contemporáneos, sino al sentimiento egoísta de querer poseer el cuerpo y alma del ser (supuestamente) amado. Aunque su enfoque y premisa se basan en relaciones interpersonales no nos equivoquemos, el filme es escalofriante: una hermosa mujer (grandiosa Isabelle Adjani) se debate entre tres amores: su esposo, su amante y una creatura demoniaca, en una terrorífica cinta llena de simbolismos, metáforas, violencia y sangre.

39. Tras el Cristal / Agustí Villaronga / España / 1987

40. The Others / Alejandro Amenábar / España / 2001

41. [Rec] / Jaume Balagueró / España / 2007

La cinematografia española aunque no se ha destacado por su producción de cine de suspenso/terror/horror si ha generado interesantes y propositivas obras tanto en lo visual como en lo narrativo. Desde la década de los sesenta cineastas como Jess Franco y Paul Naschy incursionaron en un cine fantástico rico en situaciones escalofriantes y creaturas sobrenaturales (el mismo Naschy interpretó varias veces al hombre lobo). En los últimos veinte años una nueva ola de talentosos directores han revitalizado el género y creado verdaderos hitos del cine moderno como El Día de la Bestia (Alex de la Iglesia, 1995) o Tesis (Alejandro Amenábar, 1996). Tras el Cristal es un ente distinto. El filme desarrollado en opresivas atmósferas, claustrofóbicas arquitecturas (la mayor parte de la acción transcurre en una antigua casona que lo mismo alberga dramas familiares que cruentos crímenes) y con uno de los mas tensos pero efectivos trabajos de sonido que tengamos memoria, narra las perversiones y crímenes de un cuadrapléjico nazi y su más aterrador y desquiciado enfermero, que además de querer emular meticulosamente los crímenes del primero, tiene un terrible secreto que develaremos gradualmente. El tercer filme del talentoso artesano Amenábar (y primero hablado en inglés con actores extranjeros) es una historia de época, ambientada en una antigua mansión, donde una joven mujer cuida a sus dos pequeños hijos que sufren un extraño padecimiento que los hace fotosensibles. La única ayuda y convivencia que tiene es con tres extraños criados que parecen esconder mas de lo que nos dejan saber. La trama, desarrollada in crescendo, y ambientada como elegante filme de horror gótico, es generosa en sustos, apariciones e ingeniosas vueltas de tuerca, convirtiéndose en una importante e influencial obra del género. Cuando rueda [Rec], Balagueró ya era todo un experto en el tema. Con tres importantes filmes en su haber (Los Sin Nombre, 1999; Darkness, 2002 y Frágiles, 2005) decide cambiar de estilo y narrar una historia de horror zombie en forma de falso documental en primera persona. Innovando en estilo y técnica, filmó con cámaras digitales de alta definición y teléfonos celulares, prácticamente en tiempo real y con actores desconocidos para dar mas realismo a las situaciones. Aunque con modesto presupuesto su recaudación no lo fué, convirtiéndola en un éxito de taquilla.

42. Hellraiser / Clive Barker / Inglaterra / 1987

Con la reputación de ser uno de los mas importantes e influenciales escritores de terror contemporáneos, Clive Barker además es un reconocido artista audiovisual y director de cine, teniendo un puñado (cinco para ser exactos) de filmes de bajo presupuesto en su haber. Creador de aterradores personajes como Candyman o Pinhead, es este último el que aparece en Hellraiser. En la cinta se narra el relato de una misteriosa caja con un mecanismo de rompecabezas que al ser resuelto abre una puerta a una infernal dimensión plagada de monstruosas y mutiladas creaturas (quienes torturan a las almas humanas en sadomasoquistas experimentos). Punta de lanza de una exitosa franquicia, el filme se considera entre los más escalofriantes de todos los tiempos.

43. Ringu / Hideo Nakata / Japón / 1988

44. Audition / Takashi Miike / Japón / 1999

45. A Tale of Two Sisters / Kim Ji-woon / Corea del Sur / 2003

No es sino hasta finales de la década de los ochenta cuando de la mano de un renacimiento del cine de horror japonés (j-horror) el mundo vuelve su mirada al país del sol naciente, y su peculiar forma de hacer cine se convierte en pauta a nivel mundial. Uno de los artífices de este fenómeno fue Hideo Nakata que con su obra Ringu (El Aro) lograría la recaudación mas importante en la historia de su país y el peldaño de arriba en las listas de los filmes mas aterradores jamás filmados. En ella narra una historia que toca fibras sensibles al mezclar la tradición de fantasmas, aparecidos y terribles maldiciones con la tecnología (elementos tan cotidianos como el video o el teléfono se convierten en generadores de pánico y terror). Le seguirían un correcto remake (The Ring, Gore Verbinski, 2002) y una sólida franquicia de secuelas y derivados. Miike es uno de los mas sui generis, arriesgados y prolíficos directores asiáticos vigentes. Ha filmado una ochentena de filmes en veinte años, teniendo entre sus constantes temáticas a la violencia extrema (y muy grafica), las perversiones sexuales, un negro humor, aire de film noir (especialmente aparición de los yakuza), y una especial fijación con transgredir reglas cinematográficas, morales, culturales o sociales. Audition, uno de sus filmes mas logrados,  es una explícita y malvada historia de horror psicológico que muta de ser una comedia romántica en su primera parte a un cruento gore sobre venganza, sadismo y tortura en su parte complementaria. Kim Ji-woon es un cineasta de Corea del Sur que ha transitado con éxito por diversos géneros como el thriller, el horror psicologico, el drama o la comedia negra, siendo uno de los nuevos valores del cine de su país, potencia asiática en producción cinematográfica y que tiende no pocos nexos al cine japonés. En A Tale of Two Sisters encontramos lugares comunes del género: la antigua casona que guarda secretos, la bipolar madrastra, los secretos, la muerte omnipresente, los fantasmas. Lo interesante aquí es la frescura de la historia y la narración: de la mano del horror encontramos desarrollo de personajes, problemas de comunicación y madurez personal; la historia transcurre entre el flashback y los sueños / pesadillas, la narración es cíclica (la película inicia donde termina) y la vuelta de tuerca al final da sentido y congruencia a la obra.

46. 28 Days Later / Danny Boyle / Inglaterra / 2002

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Tras un breve, y no muy exitoso, paso por las superproducciones hollywoodenses, Boyle regresa a su natal Inglaterra para innovar tanto técnica como temáticamente. 28 Days Later es un modesto filme de horror zombie rodado con cámaras digitales principalmente en exteriores. Alejada de manierismos, convencionalismos o exceso de efectos especiales, la cinta cuenta de forma realista una ecatombe mundial causada por un virus transmitido via sanguínea que convierte a quien toca en enloquecido y agresivo zombie. Los aciertos no son pocos: además del terror esperado la cinta es rica en analogías, comentarios sociales y políticos, valores, destellos de humanidad y situaciones reflexivas. La escena en que el protagonista recorre las desoladas calles de Londres con Godspeed You! Black Emperor de fondo, o las secuencias en el cuartel de los soldados son solo dos ejemplos del impacto visual y narrativo del filme.

47. À l’intérieur / Julien Maury & Alexandre Bustillo / Francia / 2007

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48. Martyrs / Pascal Laugier / Francia, Canada / 2008

Martyrs - Pascal Laugier - Francia, Canada - 2008

 Inscritas dentro del Nuevo Extremismo Francés (nombre dado por la crítica internacional a una serie de filmes galos realizados en las dos primeras décadas del siglo XX caracterizados por la deshumanización, un fuerte carácter transgresor, violencia y sexualidad explícitas, nihilismo y misoginia) las dos obras arriba mencionadas son parte de una nueva ola de cine de horror europeo que, diametralmente opuesto a los trabajos japoneses (mas psicológicos y místicos), buscan tocar temas filosóficos, existenciales, sociales e incluso políticos con un estilo que rayaría en el torture porn. La opera prima de la dupla Maury / Bustillo da cuenta de un conflicto tipo gato y ratón: una joven a punto de parir completamente sola en su casa, víspera de Navidad para mayor dramatismo narrativo, es acechada por una misteriosa y tétrica mujer, quien tijeras en mano, hará lo imposible para robarle su bebé. El instinto materno y el afán de supervivencia darán pie a una cruenta y sádica lucha dentro del filme más sangriento y feminista del que se tenga memoria. El trabajo de Laugier por su parte, impacta desde su primer escena: una adolescente escapa de su cautiverio. Lastimada, magullada, mutilada y trasquilada recorre las calles en un estado casi catatónico. En la siguiente secuencia la adolescente, ahora convertida en una perturbada mujer, llega al hogar de una burguesa y aparentemente feliz familia y los asesina con lujo de crueldad. A partir de aquí no hay vuelta atrás. Polémica, explícita y sumamente sádica muta de un terrorífico slasher a una inteligente disertación filosófica sobre la existencia, la santidad, el éxtasis por medio de la tortura o el sufrimiento, la religión y la permanencia, teniendo no pocos guiños a la obra de Georges Bataille (L’Art, 1949 y Les larmes d’Éros, 1961).

49. Let The Right One In (Låt Den Rätte Komma In) / Tomas Alfredson / Suecia / 2008

Let The Right One In (Låt Den Rätte Komma In) - Tomas Alfredson - Suecia - 2008

50. Antichrist / Lars Von Trier / Dinamarca / 2009

Antichrist - Lars Von Trier -Dinamarca - 2009

Para finalizar dos obras de los países nórdicos que dan un giro al género y abren un horizonte de provechosas posibilidades temáticas, visuales y narrativas. La primera es un drama de horror sobre vampiros adolescentes; lo que en papel suena trillado y aburrido en la pantalla grande dista mucho de serlo. Alfredson propone una puesta en escena drástica, severa y arquitectónica: cámaras fijas fotografiando planos abiertos; ángulos que juegan con la volumetría y la perspectiva en el caso de los escenarios, y con la composición y el lenguaje corporal en caso de los actores. Es como si observáramos un cuadro perfectamente orquestado en que cada frame podría enmarcarse y colgarse en la pared de un museo. La cualidad es que la belleza visual no compite con el contenido: una inteligente historia de madurez adolescente sobre un retraído e introspectivo joven que conoce (desarrollando un interés afectivo) a una misteriosa vecina que resulta ser un vampiro. En el mundo del sueco la violencia se convierte en supervivencia, la soledad en compañía y una oscura historia de vampirismo en un ritual de crecimiento. Von Trier, por su parte, propone en su cinta una hipótesis controvertida: la naturaleza como la maldad personificada, los seres humanos como los depredadores de ellos mismos (el horror es intrínseco a los personajes). Una pareja pierde a su hijo en un accidente (mientras tienen relaciones sexuales), obviamente la culpa se presenta así como los intentos de cada uno por sobreponerse o sobrellevarla. Ambos deciden ir a una alejada cabaña en el bosque para exorcisar sus demonios pero no están solos, la naturaleza los rodea: aparecen un animal que se come sus propias entrañas, otro que carga con su cría muerta y uno mas que proclama “el caos reina”. La locura se hace presente y los resultados son estremecedores. Nadie mejor que el cruel, nihilista y misógino director para dar cuenta del horror psicológico de la culpa y la incapacidad de comunicación y convivencia.

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