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american english #4

La ecuación es sencilla: 50 directores norteamericanos (de nacimiento y trayectoria) por 50 años en la historia de la industria más prolífica de la orbe, divididos entre 5 categorías de 10 directores cada una. Así, de 1962 a 2012, lo más relevante, interesante, propositivo y experimental del cine norteamericano.

4. Mysterious Skin (los experimentales)

Aquellos que rehuyen cualquier convencionalismo, imposición, o tendencia. Más cercanos al arte que a la producción comercial, se alejan de narrativas y propuestas académicas en aras de la experimentación, la creatividad y el romper esquemas y paradigmas. Su trabajo pertenece más a una galería que a una sala de cine y los resultados atraen y repelen por igual. 

4.1 Hollis Frampton

Trayectoria: más de 40 trabajos experimentales entre 1962 y 1984, falleció en 1984.

Estilo: Siempre a la vanguardia, fue precursor del estilo estructuralista, que proponía un cine de sensaciones basado en la repetición de imágenes y sonidos utilizando patrones poco convencionales. Su propuesta era minimalista y alejada de la narrativa tradicional, introduciendo disertaciones filosóficas, matemáticas y física en la sucesión de imágenes y el montaje de sus trabajos. Tipo culto y letrado tomaba influencias de las ciencias, la literatura, la filosofia o la gramática, referenciando a personajes tan dispares como Duchamp, Joyce o Flaubert en sus obras.

Esenciales: Surface Tension (1968), Zorns Lemma (1970), Critical Mass (1971) y Hapax Legomena (1971 – 1972).

Zorns Lemma Hollis Frampton  / USA / 1970

4.2 Monte Hellman

Trayectoria: 13 filmes entre 1959 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Cineasta de culto e ícono de los sesentas y setentas, Hellman fué uno de los voceros de la contracultura y las ideologías existencialistas. Entusiasta de los road movies, su cine era de largas tomas, iluminación natural, cámara en movimiento y  economía de diálogos, esto debido principalmente a su formación, como colaborador de Roger Corman, en filmes clase B. Hacía a un lado la narrativa para enfocarse en situaciones abstractas, meditativas y por que no, ácidas.

Esenciales: The Shooting (1967), Two-Line Blacktop (1971), Cockfighter (1974), y Iguana (1988).

Two-Lane Blacktop Monte Hellman  / USA / 1971

4.3 Kenneth Anger

Trayectoria: más de 30 trabajos experimentales entre 1941 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Uno de los mas famosos y prestigiados representantes del underground norteamericano, Anger desarrollaba trabajos cortos de temáticas bastantes controversiales (homoerotismo, surrealismo, satanismo y en general lo prohibido y taboo), con un estilo visual que le debía tanto al documental como al psicodrama, al voyeurismo y al performance. Rompió esquemas y sentó las bases para la libertad sexual (fue un reconocido activista gay), el cine urbano (la alienación y la violencia de las grandes urbes) y la interdisciplina en el cine (mezclaba danza, artes escénicas, narrativas visuales y poéticas y fantasía).

Esenciales: Rabbit’s Moon (1950), Scorpio Rising (1963), Invocation of My Demon Brother (1969), y Lucifer Rising (1970).

Scorpio Rising Kenneth Anger / USA / 1963

4.4 Gregg Araki

Trayectoria: 10 filmes entre 1987 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Tal vez el título de una de sus primeros filmes sea la mejor definición de su estilo: Totally Fucked Up (1993). Tomando como personajes principales a jóvenes disfuncionales, drogadictos, e hipersexualizados, Araki realiza corrosivos e incisivos ensayos sobre el ser humano contemporáneo. Plagados de violencia gráfica, sexualidad aún mas gráfica (de caracter gay en su mayoría) y un fuerte simbolismo cultural (que nos haría recordar al Godard de la Nouvelle Vague pero en drogas fuertes) sus trabajos son un interesantísimo testimonio de la generación X, aderezados, por que no, con excelentes y cuidadas bandas sonoras de armonías dream pop y shoegazer.

Esenciales: The Doom Generation (1995), Nowhere (1997), Mysterious Skin (2004), y Kaboom (2010).

Mysterious Skin Gregg Araki / USA / 2004

4.5 Brothers Quay

Trayectoria: 2 filmes y más de una veintena de cortos entre 1979 y 2011, siguen vigentes.

Estilo: Herederos en lo visual del checo Jan Švankmajer y el expresionismo alemán, y en lo narrativo de la literatura gótica y el esoterismo, los surreales trabajos de los gemelos idénticos Quay son elegantes, sofisticados, misteriosos y sumamente artísticos, no siendo coincidencia que las músicas que engalan sus creaciones provengan de la vanguardia clásica avant garde europea. En su obra lo mismo tienen cabida animales disecados, que objetos inanimados, autómatas o mecanizados seres humanos conviviendo en aterradoras distopías en un contrastado y riguroso blanco y negro.

Esenciales: Institute Benjamenta, or This Dream People Call Human Life (1995), The Piano Tuner of Earthquakes (2005), y los cortos Street of Crocodiles (1986), y Stille Nacht I – V (1988 – 2001)

Institute Benjamenta, or This Dream People Call Human Life Brothers Quay / USA / 1995

4.6 Stan Brakhage

Trayectoria: Más de 300 filmes, cortos, experimentos o trabajos visuales entre 1952 y 2003, falleció en 2003.

Estilo: Practicante del pure cinema, Brakhage fué quizá el más importante realizador de cine experimental del siglo XX. Explorando todas las técnicas habidas y por haber de grabación y edición (animación, sobre-exposición, cámara subjetiva, montaje vertiginoso, cortes bruscos, estallidos de luz, collage, incluso el hacer filmes sin utilizar una cámara), y de todos los formatos de celuloide (16mm, 8mm, 35mm, e IMAX) se alejo de la narrativa y la prosa, incluso en muchos casos del sonido, para enfocarse en el desarrollo de las imagenes y la expresividad y poética de las mismas. 

Esenciales: Cat’s Cradle (1959), Window Water Baby Moving (1959), Dog Star Man (1961-1964), Mothlight (1963), Study in Color and Black and White (1993), y The Vancouver Island Quartet (1991 – 2002)

Dog Star Man Stan Brakhage / USA / 1961-1964

4.7 David Lynch

Trayectoria: 10 filmes entre 1977 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Poseedor de un estilo peculiar, personal e inclasificable (entre surrealista, absurdo, violento y macabro), el cine de Lynch se basa en experiencias subjetivas, en el inconsciente, en los sueños, las personalidades múltiples y las realidades paralelas. Aquí no hay lugar para lo normal o cotidiano; obscuro y obsesivo prefiere perder la brújula a caer en el maistream. Su formación como artista conceptual, especialmente en la pintura y la video-instalación, está presente en su obra, que es rica en lo visual y en lo auditivo. Fué uno de los primeros directores serios en grabar filmes en video digital.

Esenciales: Eraserhead (1977), Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997), y Mulholland Drive (2001)

Eraserhead David Lynch / USA / 1977

4.8 Harmony Korine

Trayectoria: 4 filmes entre 1997 y 2009, sigue vigente.

Estilo: Polémico y transgresor, literalmente se bajó de la patineta para hacer cine. Su obra es diferente a cualquier filme que se haya realizado anteriormente en la industria del cine independiente norteamericano. Ha pasado de la narrativa disconexa y fragmentada de Gummo, al Dogme 97 de Julian Donkey-Boy, y del realismo mágico de Mr. Lonely al sucio videotape experimental de Trash Humpers. Como constantes temáticas retrata lo que el llama American Lanscape, a la juventud nihilista y desesperanzada, a la pobreza y marginación de las grandes urbes, a la cultura callejera y a la música alternativa. Su cine ha sido elogiado por personajes de la talla de Bernardo Bertolucci, Werner Herzog y Gus Van Sant.

Esenciales: Gummo (1997), Julien-Donkey Boy (1999) y Mister Lonely (2007)

Gummo Harmony Korine / USA / 1997

4.9 Lodge Kerrigan

Trayectoria: 4 filmes entre 1994 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Poseedor de un estilo casi documental que retrata humanamente a personajes desequilibrados y atormentados, Kerrigan utiliza a sus objetos de estudio como plataforma para criticar la deshumanización reinante en los tiempos modernos. En Clean, Shaven prácticamente tortura a la audiencia poniéndola en los zapatos del personaje principal, creando un agresivo retrato audiovisual de un inestable esquizofrénico. En lo visual utiliza puntos de vista subjetivos, reflejos constantes en espejos o superficies, y una fascinación por retratar la arquitectura moderna.

Esenciales: Clean, Shaven (1994), Keane (2004) y Rebecca H. (Return to the Dogs) (2010)

Clean, Shaven Lodge Kerrigan / USA / 1994

4.10 Andy Warhol

Trayectoria: Más de 60 trabajos experimentales entre 1963 y 1973, falleció en 1987.

Estilo: Tal vez su faceta menos conocida pero no por esto menos prolífica, la carrera cinematográfica de Warhol transitó desde brevísimos cortos hasta trabajos de más de seis horas de duración. Experimentó con la cámara lenta, la edición, la duplicación y repetición de imágenes, los colores, la iluminación y los filtros. Las temáticas van desde el documentar los procesos físicos más básicos como el sueño o los impulsos sexuales hasta el más guarro camp. Su sello característico:  las referencias a la cultura popular, a la literatura, la música avant garde y a la más descarada y fetichista sexualidad.

Esenciales: Sleep (1963), Blowjob (1964), Chelsea Girls (1966)  y Trash (1969)

Chelsea Girls Andy Warhol / USA / 1966

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