54

american english #4

La ecuación es sencilla: 50 directores norteamericanos (de nacimiento y trayectoria) por 50 años en la historia de la industria más prolífica de la orbe, divididos entre 5 categorías de 10 directores cada una. Así, de 1962 a 2012, lo más relevante, interesante, propositivo y experimental del cine norteamericano.

4. Mysterious Skin (los experimentales)

Aquellos que rehuyen cualquier convencionalismo, imposición, o tendencia. Más cercanos al arte que a la producción comercial, se alejan de narrativas y propuestas académicas en aras de la experimentación, la creatividad y el romper esquemas y paradigmas. Su trabajo pertenece más a una galería que a una sala de cine y los resultados atraen y repelen por igual. 

4.1 Hollis Frampton

Trayectoria: más de 40 trabajos experimentales entre 1962 y 1984, falleció en 1984.

Estilo: Siempre a la vanguardia, fue precursor del estilo estructuralista, que proponía un cine de sensaciones basado en la repetición de imágenes y sonidos utilizando patrones poco convencionales. Su propuesta era minimalista y alejada de la narrativa tradicional, introduciendo disertaciones filosóficas, matemáticas y física en la sucesión de imágenes y el montaje de sus trabajos. Tipo culto y letrado tomaba influencias de las ciencias, la literatura, la filosofia o la gramática, referenciando a personajes tan dispares como Duchamp, Joyce o Flaubert en sus obras.

Esenciales: Surface Tension (1968), Zorns Lemma (1970), Critical Mass (1971) y Hapax Legomena (1971 – 1972).

Zorns Lemma Hollis Frampton  / USA / 1970

4.2 Monte Hellman

Trayectoria: 13 filmes entre 1959 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Cineasta de culto e ícono de los sesentas y setentas, Hellman fué uno de los voceros de la contracultura y las ideologías existencialistas. Entusiasta de los road movies, su cine era de largas tomas, iluminación natural, cámara en movimiento y  economía de diálogos, esto debido principalmente a su formación, como colaborador de Roger Corman, en filmes clase B. Hacía a un lado la narrativa para enfocarse en situaciones abstractas, meditativas y por que no, ácidas.

Esenciales: The Shooting (1967), Two-Line Blacktop (1971), Cockfighter (1974), y Iguana (1988).

Two-Lane Blacktop Monte Hellman  / USA / 1971

4.3 Kenneth Anger

Trayectoria: más de 30 trabajos experimentales entre 1941 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Uno de los mas famosos y prestigiados representantes del underground norteamericano, Anger desarrollaba trabajos cortos de temáticas bastantes controversiales (homoerotismo, surrealismo, satanismo y en general lo prohibido y taboo), con un estilo visual que le debía tanto al documental como al psicodrama, al voyeurismo y al performance. Rompió esquemas y sentó las bases para la libertad sexual (fue un reconocido activista gay), el cine urbano (la alienación y la violencia de las grandes urbes) y la interdisciplina en el cine (mezclaba danza, artes escénicas, narrativas visuales y poéticas y fantasía).

Esenciales: Rabbit’s Moon (1950), Scorpio Rising (1963), Invocation of My Demon Brother (1969), y Lucifer Rising (1970).

Scorpio Rising Kenneth Anger / USA / 1963

4.4 Gregg Araki

Trayectoria: 10 filmes entre 1987 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Tal vez el título de una de sus primeros filmes sea la mejor definición de su estilo: Totally Fucked Up (1993). Tomando como personajes principales a jóvenes disfuncionales, drogadictos, e hipersexualizados, Araki realiza corrosivos e incisivos ensayos sobre el ser humano contemporáneo. Plagados de violencia gráfica, sexualidad aún mas gráfica (de caracter gay en su mayoría) y un fuerte simbolismo cultural (que nos haría recordar al Godard de la Nouvelle Vague pero en drogas fuertes) sus trabajos son un interesantísimo testimonio de la generación X, aderezados, por que no, con excelentes y cuidadas bandas sonoras de armonías dream pop y shoegazer.

Esenciales: The Doom Generation (1995), Nowhere (1997), Mysterious Skin (2004), y Kaboom (2010).

Mysterious Skin Gregg Araki / USA / 2004

4.5 Brothers Quay

Trayectoria: 2 filmes y más de una veintena de cortos entre 1979 y 2011, siguen vigentes.

Estilo: Herederos en lo visual del checo Jan Švankmajer y el expresionismo alemán, y en lo narrativo de la literatura gótica y el esoterismo, los surreales trabajos de los gemelos idénticos Quay son elegantes, sofisticados, misteriosos y sumamente artísticos, no siendo coincidencia que las músicas que engalan sus creaciones provengan de la vanguardia clásica avant garde europea. En su obra lo mismo tienen cabida animales disecados, que objetos inanimados, autómatas o mecanizados seres humanos conviviendo en aterradoras distopías en un contrastado y riguroso blanco y negro.

Esenciales: Institute Benjamenta, or This Dream People Call Human Life (1995), The Piano Tuner of Earthquakes (2005), y los cortos Street of Crocodiles (1986), y Stille Nacht I – V (1988 – 2001)

Institute Benjamenta, or This Dream People Call Human Life Brothers Quay / USA / 1995

4.6 Stan Brakhage

Trayectoria: Más de 300 filmes, cortos, experimentos o trabajos visuales entre 1952 y 2003, falleció en 2003.

Estilo: Practicante del pure cinema, Brakhage fué quizá el más importante realizador de cine experimental del siglo XX. Explorando todas las técnicas habidas y por haber de grabación y edición (animación, sobre-exposición, cámara subjetiva, montaje vertiginoso, cortes bruscos, estallidos de luz, collage, incluso el hacer filmes sin utilizar una cámara), y de todos los formatos de celuloide (16mm, 8mm, 35mm, e IMAX) se alejo de la narrativa y la prosa, incluso en muchos casos del sonido, para enfocarse en el desarrollo de las imagenes y la expresividad y poética de las mismas. 

Esenciales: Cat’s Cradle (1959), Window Water Baby Moving (1959), Dog Star Man (1961-1964), Mothlight (1963), Study in Color and Black and White (1993), y The Vancouver Island Quartet (1991 – 2002)

Dog Star Man Stan Brakhage / USA / 1961-1964

4.7 David Lynch

Trayectoria: 10 filmes entre 1977 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Poseedor de un estilo peculiar, personal e inclasificable (entre surrealista, absurdo, violento y macabro), el cine de Lynch se basa en experiencias subjetivas, en el inconsciente, en los sueños, las personalidades múltiples y las realidades paralelas. Aquí no hay lugar para lo normal o cotidiano; obscuro y obsesivo prefiere perder la brújula a caer en el maistream. Su formación como artista conceptual, especialmente en la pintura y la video-instalación, está presente en su obra, que es rica en lo visual y en lo auditivo. Fué uno de los primeros directores serios en grabar filmes en video digital.

Esenciales: Eraserhead (1977), Blue Velvet (1986), Lost Highway (1997), y Mulholland Drive (2001)

Eraserhead David Lynch / USA / 1977

4.8 Harmony Korine

Trayectoria: 4 filmes entre 1997 y 2009, sigue vigente.

Estilo: Polémico y transgresor, literalmente se bajó de la patineta para hacer cine. Su obra es diferente a cualquier filme que se haya realizado anteriormente en la industria del cine independiente norteamericano. Ha pasado de la narrativa disconexa y fragmentada de Gummo, al Dogme 97 de Julian Donkey-Boy, y del realismo mágico de Mr. Lonely al sucio videotape experimental de Trash Humpers. Como constantes temáticas retrata lo que el llama American Lanscape, a la juventud nihilista y desesperanzada, a la pobreza y marginación de las grandes urbes, a la cultura callejera y a la música alternativa. Su cine ha sido elogiado por personajes de la talla de Bernardo Bertolucci, Werner Herzog y Gus Van Sant.

Esenciales: Gummo (1997), Julien-Donkey Boy (1999) y Mister Lonely (2007)

Gummo Harmony Korine / USA / 1997

4.9 Lodge Kerrigan

Trayectoria: 4 filmes entre 1994 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Poseedor de un estilo casi documental que retrata humanamente a personajes desequilibrados y atormentados, Kerrigan utiliza a sus objetos de estudio como plataforma para criticar la deshumanización reinante en los tiempos modernos. En Clean, Shaven prácticamente tortura a la audiencia poniéndola en los zapatos del personaje principal, creando un agresivo retrato audiovisual de un inestable esquizofrénico. En lo visual utiliza puntos de vista subjetivos, reflejos constantes en espejos o superficies, y una fascinación por retratar la arquitectura moderna.

Esenciales: Clean, Shaven (1994), Keane (2004) y Rebecca H. (Return to the Dogs) (2010)

Clean, Shaven Lodge Kerrigan / USA / 1994

4.10 Andy Warhol

Trayectoria: Más de 60 trabajos experimentales entre 1963 y 1973, falleció en 1987.

Estilo: Tal vez su faceta menos conocida pero no por esto menos prolífica, la carrera cinematográfica de Warhol transitó desde brevísimos cortos hasta trabajos de más de seis horas de duración. Experimentó con la cámara lenta, la edición, la duplicación y repetición de imágenes, los colores, la iluminación y los filtros. Las temáticas van desde el documentar los procesos físicos más básicos como el sueño o los impulsos sexuales hasta el más guarro camp. Su sello característico:  las referencias a la cultura popular, a la literatura, la música avant garde y a la más descarada y fetichista sexualidad.

Esenciales: Sleep (1963), Blowjob (1964), Chelsea Girls (1966)  y Trash (1969)

Chelsea Girls Andy Warhol / USA / 1966

Advertisements

53

american english #3

La ecuación es sencilla: 50 directores norteamericanos (de nacimiento y trayectoria) por 50 años en la historia de la industria más prolífica de la orbe, divididos entre 5 categorías de 10 directores cada una. Así, de 1962 a 2012, lo más relevante, interesante, propositivo y experimental del cine norteamericano.

3. Synecdoche, New York (los nuevos)

Aquellos que se alimentan de los clásicos y los reinventan e reinterpretan buscando su propia voz, los que a pesar de su juventud marcan tendencias y vislumbran prometedoras carreras; muchos transitan por la experimentación, otros por las propuestas artísticas y otros más por el cine comercial pero siempre inyectando frescura a la voragine de la industria.

3.1 Miranda July

Trayectoria: 3 filmes entre 1999 y 2011, sigue vigente.

Estilo: Creativa y expresiva, la obra de Miranda July se centra en los sentidos. Muy visual y muy auditiva (producto de su formación como artista conceptual y como músico). Su propuesta es personal, original y pretensiosa pero también humana, emocional y vulnerable; lejos de caer en la superficialidad es crítica e incluso filosófica tanto con sus personajes como con las situaciones que describe. Un extraño caso de belleza visual y sustancia emocional. 

Esenciales: Me and You and Everyone We Know (2005), y The Future (2011).

Me and You and Everyone We Know Miranda July  / USA / 2005

3.2 Spike Jonze

Trayectoria: 3 filmes entre 1999 y 2009, sigue vigente.

Estilo: Versátil y arriesgado, un día transgrede los límites de la narrativa convencional de la mano de Charlie Kaufman, y al día siguiente dirige un filme infantil. Gusta de la iluminación natural, la cámara al hombro, la edición vertiginosa y el cambio brusco de ritmo. Sus historias son poco comunes y bizarras (cortesía de sus colaboraciones con Kaufman) pero curiosamente humanas, identificables y entrañables. Sus personajes muestran una fragilidad que los hace reales mientras las situaciones que vemos presentan el opuesto.

Esenciales: Being John Malcovich (1999), Adaptation (2002), y Where the Wild Things Are (2009).

Being John Malcovich Spike Jonze  / USA / 1999

3.3 Paul Thomas Anderson

Trayectoria: 6 filmes entre 1996 y 2012, sigue vigente.

Estilo: Autodidacta, metódico y preciso. El cine de PT Anderson es un catálogo de influencias: Altman, Scorsese, Kubrick y Ophuls por solo nombrar a algunos. La culpa, el destino, la religión, el fanatismo, la locura, el núcleo familiar (desde un punto de vista negativo y disfuncional) y las alienaciones son sus constantes temáticas, mientras en lo visual sus filmes se presentan estilizados, sorprendentes y complejos. Largos planosecuencias, la cámara en eterno movimiento, capas de contenido audiovisual, manejo lúdico de los tiempos y la tensión, y unas músicas memorables.

Esenciales: Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), y There Will be Blood (2007).

There Will Be Blood  Paul Thomas Anderson  / USA / 2007

3.4 Jeff Nichols

Trayectoria: 3 filmes entre 2007 y 2012, sigue vigente.

Estilo: Aunque explore temas como la violencia o el fin de los tiempos, su cine es sereno y equilibrado. Se toma el tiempo para presentar y desdibujar a sus personajes así como para armar sus narrativas; maneja un suspense in crescendo que nos va atrapando y envolviendo. Sus imágenes tienen una belleza extraña y sus historias un dejo enigmático, su cine es elegante y directo, hábilmente controla el tiempo y las emociones.

Esenciales: Shotgun Stories (2007), y Take Shelter (2011).

Take Shelter  / Jeff Nichols  / USA / 2011

3.5 Sofia Coppola

Trayectoria: 4 filmes entre 1999 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Intelectual e introspectivo, estilizado visualmente (su gusto por el arte y la fotografia son evidentes en sus filmes). La música juega un papel importante, ya sea creando el mood de la historia (The Virgin Suicides) o contraponiendo y contrastando épocas y periodos históricos (Marie Antoinette). Las crisis de identidad, la madurez, o la vacuidad de la vida moderna se aparejan con imagenes posmodernas de grandes urbes o con estudiados y meticulosos escenarios de época. La Coppola en el nombre lleva el pecado y su talento hace justicia al prestigiado clan.

Esenciales: The Virgin Suicides (1999), Lost in Translation (2003), y Somewhere (2010).

Lost in Translation  / Sofia Coppola  / USA / 2003

3.6 Noah Baumbach

Trayectoria: 6 filmes entre 1995 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Mezcla eficazmente el drama y la comedia. Sus filmes son objetos de estudio de peculiares personajes, su principal víctima: los pseudo intelectuales neoyorquinos clasemedieros, con los cuales convivió desde niño. A menudo introduce elementos autobiográficos en su narrativa (The Squid and the Whale) o personajes apáticos y aborrecibles, con vidas patéticas y existencias grises. Su cine tiene nexos con el de otros contemporáneos como Anderson, o los Coppola pero es más incisivo en su tratamiento de  personajes y más realista en su puesta es escena.

Esenciales: Kicking and Screaming (1995), The Squid and the Whale (2005), y Margot at the Wedding (2007).

Kicking and Screaming  / Noah Baumbach  / USA / 1995

3.7 Mike Mills

Trayectoria: 3 filmes entre 2005 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Experimental, transita por los terrenos del dramedy (comedia con tintes de drama o vice versa) con soltura y credibilidad, gusta de combinar inquietudes realistas (crisis existenciales, madurez, disfuncionalidad familiar, incapacidad de tener relaciones afectivas exitosas) con situaciones fantásticas (perros que hablan, animaciones que parecen cobrar vida, padecimientos o manías diferentes por decir lo menos). Su propuesta es muy visual, valiéndose de los recursos aprendidos durante su exitosa carrera como director de videoclips y como diseñador gráfico.

Esenciales: Thumbsucker (2005), y Beginners (2010).

Beginners  / Mike Mills  / USA / 2010

3.8 Wes Anderson

Trayectoria: 7 filmes entre 1996 y 2012, sigue vigente.

Estilo: Anderson habita un universo aparte: en él sus personajes visten, hablan, conviven y se comportan de formas extravagantes, y sin embargo parecen reales y reconocibles. Cada personaje tiene incluso un color, un look, un escenario o una tipografía asignada, la música también los acompaña a todos lados. Un irónico y absurdista sentido del humor permea sus filmes, pero esta cualidad nunca disminuye la tragedia o la crudeza de los eventos que se suscitan. Los colores son fuertes y contrastantes (a menudo un tanto caricaturescos), los escenarios bien iluminados (las historias transcurren de día y de preferencia en exteriores) y cada encuadre se podría considerar un ejercicio de composición y diseño gráfico. 

Esenciales: Rushmore (1998), The Royal Tenenbaums (2001), The Darjeeling Limited (2007).

The Royal Tenenbaums  / Wes Anderson  / USA / 2001

3.9 Darren Aronofsky

Trayectoria: 5 filmes entre 1998 y 2010, sigue vigente.

Estilo: Controversial, sus temas son usualmente violentos, complejos o taboo como el uso de drogas, la locura, las alucinaciones, o la trascendencia de la muerte. En lo visual es muy estilizado y efectista, principalmente en sus primeros filmes, donde utilizaba pantalla dividida, close ups extremos contrastando con tomas muy abiertas, cámaras en movimiento, y una vertiginosa (e incluso mecánica) edición que se le bautizó como hip hop montage. La música, columna vertical de su cine, es compuesta en todos los casos por Clint Mansell que alterna vertiginosa musica electrónica, con post rock y la elegancia de las cuerdas.

Esenciales: Requiem for a Dream (2000), The Fountain (2006), y Black Swan (2010).

Requiem for a Dream  / Darren Aronofsky  / USA / 2000

3.10 Ramin Bahrani

Trayectoria: 4 filmes entre 2005 y 2009, sigue vigente.

Estilo: Favorito de los críticos, Barahi es una creatura sui generis. Mientras los directores de su generación se regodean en temáticas existencialistas y en estéticas postmodernas, su cine es personal y auténtico, alejado de modas. Un híbrido quizá entre el cine del iraní Abbas Kiarostami (curiosamente sus padres son iraníes) y el neorrealismo italiano. Sus historias son realistas, sus actores amateurs, su narrativa orgánica, su puesta en escena raya en lo documental y las situaciones prácticamente improvisadas. 

Esenciales: Chop Shop (2007), Goodbye Solo (2008), y Plastic Bag (2009).

Goodbye Solo  / Ramin Bahrani  / USA / 2008